Novedades de la entidad

Gratuito, dictado por Paco Hase, comenzará en abril

Taller de Dramaturgia Audiovisual – Cine – TV

El Taller de Dramaturgia Audiovisual – Cine – TV, dictado por Paco Hase, se desarrollará los miércoles.

La inscripción requiere, también, una entrevista de admisión.

Las mismas serán los días lunes y viernes de marzo y el taller comenzará en la primera semana de abril.

Para solicitar entrevistas dirigirse a Comisión de Socios, Montevideo 696, 2do. Piso, o bien llamar al siguiente teléfono: 47373-5061 interno 109 y 110, de Lunes a Viernes de 13.30 a 18.00 hs. . 

Para el primer encuentro se contará con la presencia de los autores de “Trátame bien”

Retorna el ciclo “Un buen guión para una buena televisión”

El martes 30 de marzo, a las 19.30, volverá al Auditorio Gregorio Laferrere, Pacheco de Melo 1820, el ciclo “Un buen guión para una buena televisión.

Este será el tercer año consecutivo que la periodista Adriana Schottlender convocará y entrevistará a los más destacados guionistas de la televisión con el objetivo de valorizar el guión televisivo en cualquiera de los géneros.

Por el ciclo ya han pasado guionistas y actores como Esther Feldman, Alejandro Maci, Claudio Lacelli, Oscar Martínez, Marisa Quiroga, Marta Betoldi, Silvina Frejdkes, Andrea Pietra y Gastón Pauls, entre muchos otros.

Para el primer encuentro se contará con la presencia de los guionistas de “Tratame bien”, el programa emitido por Canal 13 durante 2009 y queda por confirmar la posible presencia del actor Julio Chávez como invitado especial.

Como desde su inicio, el ciclo se ofrecerá todos los últimos martes de cada mes a las 19.30  en el auditorio Gregorio de Laferrere.

La entrada es libre y gratuita sujeta a la capacidad de la sala.

Dirigido a estudiantes de 14 a 20 años que deseen escribir obras para teatro y cine

Taller gratuito de dramaturgia para adolescentes 2010 - Niveles  I y II: está abierta la inscripción

El 15 de febrero se abrirá la inscripción para los talleres gratuitos de dramaturgia para adolescentes en sus dos niveles.

El Taller de Dramaturgia para Adolescentes está dirigido a estudiantes de 14 a 20 años que deseen escribir obras para teatro y cine.

Asimismo pretende estimular el interés por las artes en general y acompañar el proceso formativo de quienes despiertan a la necesidad de expresarse a través de la escritura dramática. De cursada anual los dos niveles del taller ( I y II )  se complementan y diferencian entre sí por ocuparse del teatro y el cine respectivamente, son correlativos y el único requisito para asistir al segundo es haber cursado el primero. 

A partir de abril todos los martes de 18 a 20 (Nivel I) y de 20 a 22 (Nivel II).

Para más información e inscripción, llamar al 4373-5061 (interno 110), de 13 a 18 hs.

La entidad / Concursos

Los guiones se podrán presentar hasta el 30 de abril de 2010

Sexto concurso de ficción radiofónica “Radioteatro para aplaudir”: Amores del bicentenario

El Consejo Profesional de Radio de Argentores (en adelante, el Organizador) convoca al sexto (6º) concurso de ficción radiofónica: “Radioteatro para aplaudir”, denominado Amores del Bicentenario. El mismo estará sujeto al siguiente reglamento, el cual se considerará conocido y aceptado por todos aquellos autores que presenten sus obras.

El objetivo de este concurso es promover la ficción radial, estimular y difundir la creación del autor de radio. La temática pretende contar historias de amor reales o imaginarias referidas a la Revolución de Mayo argentina, previa, durante o a posteriori de la gesta, reafirmando desde la ficción radial los conceptos [entre otros] de libertad e independencia de los hombres y mujeres de principios del siglo XIX. A modo de ejemplo mencionamos: la inquietante historia clandestina entre Ana Perichón y Liniers, el apasionante amor de María Guadalupe Cuenca y Mariano Moreno; la imaginaria historia de una esclava con un militar inglés o la de dos habitantes de la época; etcétera.

Podrán participar de este concurso autores de cualquier nacionalidad y sin límite de edad. Los menores de 21 años deberán adjuntar la correspondiente autorización de su padre, madre o tutor para poder participar en el concurso. Sólo se aceptará un libro por autor ya sea a título individual o colectivo sin existir limitación alguna de género o estilo, siempre y cuando sean inéditos y sin compromiso de producción con terceros.

Cada participante deberá entregar un sobre en cuyo interior contenga:
A) Tres copias impresas o mecanografiadas, de un mismo guión radial,  sobre una sola carilla. Asimismo, incluirá una copia digitalizada (en CD u otro soporte). Cada copia, tanto impresa como digitalizada, llevará el título de la obra y el seudónimo elegido por el/los autor/es, sin firma. El radioteatro deberá estar escrito en castellano y tendrá una extensión mínima de treinta y ocho (38)  carillas y una máxima de cuarenta y dos (42) carillas, escritas en computadora o máquina de escribir, en papel tamaño A 4, tipografía Arial cuerpo 12, con interlineado doble sólo entre los parlamentos de los personajes y después del operador y relator, numeradas en su parte superior derecha. No se aceptarán trabajos que excedan los seis personajes, además del relator.  Todos los guiones deberán especificar los sonidos y los momentos musicales que el/los autores consideren necesarios.  Es obligatorio anexar una breve síntesis argumental de la historia, el perfil de los personajes  (nombre, edad, características físicas y psicológicas predominantes)  y sus interrelaciones.

B) Otro sobre que en el exterior deberá tener escritos el título de la obra y el seudónimo y dentro del cual se consignarán los siguientes datos personales de el/los autor/es: nombre y apellido, tipo y  N° de documento,  domicilio, número/s de teléfono y dirección de correo electrónico. Asimismo, en este último sobre, cada participante —o su madre, padre o tutor, en su caso— deberá incluir un breve curriculum vitae (un CV)  de el/los autor/es y la correspondiente copia de la certificación del registro en Propiedad Intelectual. Este sobre permanecerá invariablemente cerrado, a excepción de los sobres correspondientes a las obras ganadores de premios y de las menciones del jurado.  

El sobre con la presentación, dirigido al Consejo Profesional de Radio de Argentores, Concurso de Ficción Radiofónica “Radioteatro para aplaudir: Amores del Bicentenario”, podrá ser entregado  en la sede de Argentores, Pacheco de Melo 1820 (C1126AAB), Ciudad Autónoma de Buenos Aires, de lunes a viernes, en el horario de 13 a 19hs; o enviado por correo certificado a la misma dirección especificando en el sobre ‘Concurso de Ficción Radiofónica’. Contra la recepción de la obra, Argentores entregará a cada participante un recibo con el que se acredita su ingreso al concurso.

El jurado estará conformado por tres integrantes vinculados al medio profesional y su fallo será inapelable. En el proceso de selección se tendrá en cuenta especialmente: argumento, estructura, diálogos, técnica, creatividad y originalidad de los textos. La decisión será comunicada a los autores el 30 de junio de 2010.              

Los guiones se podrán presentar desde el 30 de octubre de 2009 hasta el 30 de abril de 2010, aceptándose como válida, para los envíos por correo, la fecha del matasellos del correo. 

Se seleccionarán 3 (tres) obras  y 5 (cinco) menciones especiales. Las tres obras premiadas serán presentadas en la sala Gregorio de Laferrère de Argentores con la asistencia de público e interpretada por actores profesionales. Cabe informar también que dichas obras serán grabadas para el archivo sonoro de la entidad. Las menciones especiales consistirán en diplomas que serán entregados a los autores en la sala Gregorio de Laferrère de Argentores.

En caso de que circunstancias imprevistas lo justifiquen, el organizador podrá suspender o dar por finalizado el concurso, supuestos en los cuales los autores no tendrán derecho a reclamo alguno.

El simple hecho de participar en el concurso implica por parte de los autores el conocimiento y la aceptación plena de las bases del mismo.
Particularmente, se establece que la sola participación en este concurso otorga al Consejo Profesional de Radio de Argentores, el derecho a publicitar el título y nombre del autor de las obras premiadas y las menciones especiales en la página de Internet de Argentores, como así también en cualquier otro medio escrito o audiovisual.

Los autores de las obras presentadas en el concurso que no hayan sido premiados o mencionadas podrán pasar a retirar sus trabajos en la misma dirección donde fueron entregados y en el mismo horario o solicitar se les reenvíe por correo a quienes así lo hayan realizado al concursar.

Los autores cuyas obras fueron premiadas y representadas, podrán hacer el uso que deseen de las mismas luego de la presentación a que refiere la base séptima.

INFORMES:

Lunes a Viernes de 13 a 18hs en la sede de Argentores, Pacheco de Melo 1820, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Tel.: 011-4812-9996/4518  ó  011-4813-2838
MÁS INFORMACIÓN: cradio@argentores.org.ar

El Bicentenario encuentra a argentinos y españoles unidos en la hermandad. Este certamen es un tributo a la confraternidad argentino-española

Bicentenario 2010 “Conquistémonos”

B a s e s

El Consejo Profesional de Radio de Argentores (en adelante el organizador) invita a socios y a autores a escribir un dialogo entre dos personajes (reales o de ficcion) y/o atemporales. argentina/o y español/a artistas/ políticos / heroes/ personajes de novelas, cuentos, películas

ejemplos:
Sancho Panza y Jorge Luis Borges
Don Juan Tenorio y Juan Moreira
Eva Perón e Isabel IIi (la de los tristes destinos 1833-1868)
El Quijote y un psicoanalista argentino
José Hernández y Miguel de Cervantes Saavedra
la reina de España y una indígena wichi
el Arcipreste de Hita Juan Ruiz y un escritor argentino.

Diálogo de tres carillas, a4, interlineado doble.

Cada participante deberá entregar un sobre en cuyo interior contenga: a) Tres copias impresas o mecanografiadas incluyendo cualquier soporte digital: CD, Disquette. Título del Diálogo y Seudónimo.

b) Otro sobre que en el exterior deberá tener escritos: el título del diálogo y seudónimo dentro del cual se deberán consignar datos personales: nombre, apellido, tipo y nro. documento, domicilio, teléf. y dirección de correo electrónico.

Este sobre permanecerá invariablemente cerrado a excepción de los sobres correspondientes a los diálogos seleccionados por jurado idóneo.
El fallo del jurado es inapelable. el sobre con la presentación será dirigido al consejo profesional de radio, certamen 2010”conquistémonos” y podrá ser entregado en la sede de Argentores Pacheco de Melo 1820, de lunes a viernes de 13,00 a 19,00.al Consejo Profesional de  Radio o enviado por correo certificado a la misma dirección. Contra la presentación del sobre, el organizador entregará a cada participante un recibo acreditando su ingreso al concurso.

Se establece que la sola participación en este certamen otorga al Consejo Profesional de Radio el derecho a producir los diálogos seleccionados, a publicitar dicha producción en su página de Internet, como así en cualquier otro medio escrito o audiovisual.

En caso de que circunstancias imprevistas lo justifiquen, el organizador podrá suspender o dar por finalizado el certamen, supuesto en los cuales los autores no tendrán derecho a reclamo alguno.

Se aceptará un diálogo inédito por autor, pudiendo éste disponer del mismo luego de que el organizador haya dado cumplimiento al punto 3.
ESTRENO: a partir del 26 de Mayo de 2010 en el AUDITÓRIUM GREGORIO DE LAFERRÉRE, y fechas posteriores con producción del Consejo Profesional de Radio de Argentores.

finaliza: 31 de marzo 2010
   
INFORMES: cradio@argentores.org.ar

El País

La avenida más emblemática del espectáculo porteño exhibe simultáneamente tres obras del bardo inglés

Shakespeare, la auténtica vedette de la calle Corrientes

Virginia Innocenti, Juan Gil Navarro y Federico Olivera protagonizan, respectivamente, Mucho ruido y pocas nueces, Rey Lear y Hamlet. Convocados por el diario Crítica de la Argentina, analizan las razones de la vigencia del autor del siglo XVI

Ninguno de los tres actores había trabajado antes en obras del autor. Y los tres confesaron que se pusieron nerviosos ante el desafío. Pero no pensaron en rehuirle

“Estamos pensando armar un bono llamado ‘La experiencia Shakespeare’, una especie de reality conducido por Marley”, responden Virginia Innocenti, Juan Gil Navarro y Federico Olivera ante la insólita coincidencia que los reúne, divierte y excede: la de ser parte de las tres-obras-tres que se presentan en calle Corrientes, hijas todas del más famoso bardo de Occidente e inventor, según el crítico norteamericano Harold Bloom, de “lo humano tal como seguimos conociéndolo”.

El bastardo Edmund es el personaje que interpreta Gil Navarro en Rey Lear, estrenada el año pasado y en cartel hasta el 4 de abril en el teatro Apolo, con el protagónico de Alfredo Alcón y la dirección de Rubén Szuchmacher. Innocenti – no sólo la única mujer del grupo sino además la representante de la única comedia entre dos tragedias – es Beatriz en Mucho ruido y pocas nueces, primer estreno del año en el San Martín, junto a Sergio Surraco y con puesta de Oscar Barney Finn. Y, hasta junio, en el Centro Cultural de la Cooperación, Olivera es Hamlet, la tragedia dirigida por Manuel Iedvabni, la última del trío tanto en debutar como en despedirse de la cartelera.

“¿Por qué estas obras tienen vigencia y el público las ve?”, pregunta Olivera, como quien piensa en voz alta y al segundo, responde: “Es un autor tan profundo y nos habla tanto de nosotros mismos que hace que uno quiera meterse en ese universo. ¿Y por qué – enfatiza – el porteño, el argentino, con esta cosa de pensarse tanto a sí mismo y de querer tener razón siempre, viene a ver esto? Porque creo que Shakespeare siempre tiene razón, nos da un punto de vista que uno dice ‘sí, claro, es esto’, por eso prende y tiene tanta convocatoria. Puede ser algo medio azaroso que se den estas tres obras pero también –deduce, finalmente– debe haber algo de la inconciencia colectiva en que tengan que ser representadas”. En la búsqueda de razones, Gil Navarro también escarba por el lado del ánimo popular: “Hay mucha angustia dando vueltas y hay una cantidad de frases que uno tartamudea en la vida cotidiana y que luego este desgraciado de William ordena. Porque uno tiene un compendio de que algo huele a podrido”.

En el bar del Centro Cultural de la Cooperación, a mano para los tres antes de sus respectivas funciones, la charla surge sin necesidad de empujarla. Es su primer Shakespeare y, sin celos, tienen ganas de declarar su amor al más seductor de los autores, ese capaz de cobijarlos a todos.

Innocenti: –Lo escalofriante es la vigencia y la capacidad de dibujar el alma humana en todos los estadios posibles y lo esencial de los vínculos, las pasiones, las preguntas; plantea las situaciones que pueden terminar en tragedia o en comedia pero el conflicto está, la rivalidad, los celos, la dificultad de relacionarse amorosamente, qué es lo real, la lucha por el poder...

Gil Navarro: –...la lucha por el poder, la lucha por el poder, la lucha por el poder.

Innocenti: –(Se ríe) Claro, en todos los planos... Buéh, en realidad Shakespeare es anterior al psicoanálisis y éste se ha basado en sus textos y en los griegos para poder desarrollar cierto conocimiento del alma humana.

Olivera: –Aparece la sombra, la contracara, algo atrás que no es lo que parece, la analogía con la política, “ah, estos guachos la están haciendo bien”, eso está todo el tiempo en estas obras, en el comportamiento cotidiano, en situaciones simples.

Gil Navarro: –En Londres, en un afiche que me compré en la reconstrucción de El Globo, dice: “Si usted le está contando a un amigo cómo le rompieron el corazón, está citando a Shakespeare; si está contando sus sueños, está citando a Shakespeare; si en su país hay corruptos, está citando a Shakespeare”, y así. Es mitología pura y uno se encuentra ahí.

No para el desaliento sino para la inspiración, el director inglés Peter Brook dice que siempre hay que regresar a Shakespeare por un momento para luego volver a lo propio y darse cuenta de que nada de lo que uno hace podrá ser tan bueno. “Asumir” un Shakespeare puede resultar, entonces, un camino interesante pero de enorme exposición. Como confiesa Innocenti, es “meterse con un pope”.

Con la carga de encarnar el papel, tal vez, más paradigmático en la carrera de un actor, Olivera reconoce que “uno tiene ciertas nociones de la actuación, de esto, lo otro, pero estás en altamar, vienen las olas y nadar no alcanza, es más. En el ensayo me daba cuenta de lo trabajoso que era, de lo complejo; cuando iba descubriendo cosas, todo el tiempo aparecían nuevos interrogantes. No estaba el afuera, el ‘che, qué va a pasar con esto’, sino el actor y la circunstancia. Entrás en un gran bardo y eso te fortalece porque avanzás y, en otros momentos, te quedás sin aire, te tirás a ver qué pasa. A veces sentía que no iba a poder, pero no por el afuera sino que yo no iba a poder, por la carga, por el desgaste físico. Después ves que funciona, que si ya lo hicieron antes es que se debe poder hacer (risas)”. (Critica)

Gil Navarro buscó tranquilidad en los actores británicos expertos en su poeta: “Lawrence Olivier decía que los jóvenes pueden romperse los huesos porque sueldan más rápido. Si no te animás, te la perdés. A esta altura, ya no rendimos examen, basta”.

En los alrededores de la cuarta década, los tres repiten juntos el ¡basta! E Innocenti, relajada, se deja llevar: “Es tan cómodo. Los grandes textos te facilitan todo. Cuando tenés un autor genial, sólo tenés que subirte al texto y confiar, decir aquello que la palabra dice”.

Para seguir en manos de un experto, Brook dijo en una entrevista que un director era como una especie de “comadrona”, porque estimula y aparta obstáculos para que la vida fluya con naturalidad, pero no en su forma más tosca, sino más refinada, a través de filtros; es decir, el director anima primero y destila después. Acerca de la acción del director, Gil Navarro cuenta que Szuchmacher, de entrada, les advirtió dos cosas:

“No quiero psicología y poner la energía a la altura del texto. Era difícil creer que la gente no iba a entender si uno no ponía algo de más. Es como si uno a la gente le diera todas las escenas filmadas para que las edite. ‘Pero no podemos darle eso, sacarlo de la sartén y ponerlo en el plato porque está crudo’. ‘No, hacelo así, dejá que el público complete porque en la edición de escenas y en el montaje, va a cerrar’. O sea que si uno carga de más, se vuelve solemne e incurre en el error clásico de los clásicos”.

A Innocenti le divirtió mucho la idea del director Barney Finn de adaptar Mucho ruido y pocas nueces al siglo XIX en la pampa argentina. “Me gustó llevarla a una estancia y que sonaran los nombres de muchas calles de Buenos Aires y, de esa manera, poder respirar el tufillo de cómo se jugaban las cartas entre los que decidieron nuestro país. Sin que tenga ese peso la puesta, porque no tiene subrayado político, lo genial es que podés quedarte con el cuentito superficial, te reíste un rato y te vas a comer o podés reflexionar que de tontita comedia no tiene nada y que es un juego de poder en el que deciden sacerdotes, militares y terratenientes, y los pobres tontos muertos de hambre son los que traen la verdad y evitan la catástrofe. Y las mujeres son las que traen la cordura, por eso creo que Shakespeare es un gran feminista”, remata con una gran sonrisa triunfal. Democrático, Olivera concluye: “No pretendo que una puesta resuma todas las miradas. No hay versiones perfectas, es un espejo posible y un viaje que te propone ese director”. Sin desmerecer teorías, el espejo en el que se miró Gil Navarro fue el de un admirado actor fallecido en 2002. “Mi Edmund no es un homenaje sino un plagio al Diablo que hacía Danilo Devizia (en Don Fausto, de Pedro Orgambide) y que por suerte vi. Un plagio –subraya–, directamente”.

Dos tragedias y una comedia para reencontrar al bardo

REY LEAR. En el teatro Apolo (Corrientes 1372), con dirección de Rubén Szuchmacher y un elenco encabezado por Alfredo Alcón, Roberto Carnaghi, Joaquín Furriel, Juan Gil Navarro, Horacio Peña y Roberto Castro, entre otros.

MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES. En el San Martín (Corrientes 1530), dirección de Oscar Barney Finn. Con Virginia Innocenti, Sergio Surraco, Salo Pasik, Carlos Kaspar, Daniel Miglioranza, Malena Figó, Rocco De Grazia y Claudio Pazos, entre otros.

HAMLET. En el C. C. de la Cooperación (Corrientes 1543). Dirección: Manuel Iedvabni. Con Federico Olivera, Patricia Palmer, Héctor Bidonde, Ana Yovino.

Continúan las lluvias en la sala Martín Coronado

Llueve en la sala Martín Coronado del San Martín. No es un efecto especial. Tampoco una metáfora. Es literal: entra agua en el escenario en las noches de tormenta. “El teatro está hecho pelota, se está cayendo a pedazos, pero los actores, los técnicos, todos lo hacemos con lo mejor y las funciones salen bien. A pesar de todo”, dice Virginia Innocenti, una de las protagonistas que lo padece, ante el asombro indignado de sus compañeros que, una vez más, recurren a la actualidad de Shakespeare para expresarse.

“Lear se cierra con la frase de Edgard (Joaquín Furriel): ‘Hay que aceptar el peso de estos tiempos tristes, decir lo que uno siente y no lo que se espera que digamos’. ¡Son unos caraduras, que esté pasando esto!”, dice Juan Gil Navarro. Y Federico Olivera asiente: “La cultura no es el patio de atrás y que pase eso es delirante. La idea mística de dejar la vida en el escenario tiene un límite. ¿En qué consiste nuestro trabajo? Como dice Hamlet, ‘la ciudad está fuera de quicio’

Anuncio oficial

Promocionarán el cine argentino a través de un canal y sitio web propios

“La nueva estrategia del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales para destrabar la exhibición de películas argentinas será el inminente lanzamiento del canal Incaa TV y de un sitio web para descargar filmes, informó la presidenta del Incaa, Liliana Mazure.

También se realizará un estudio sobre los gustos del público para adecuar la oferta cinematográfica a la demanda de cada región en particular.

Mazure anunció esa medida ante la preocupación de numerosos productores por la escasez de pantallas para sus películas y frente al embotellamiento sistemático de muchos filmes locales, que buscan ser exhibidos únicamente en algunas pocas multisalas porteñas, en detrimento de los cines del interior del país.

Para Mazure, ‘hay películas a las que quizás les convenga salir directamente en Internet, en DVD o por televisión. Por eso estamos armando Incaa TV -avisó- y estamos avanzando lo más rápido posible con un sitio web donde se podrán ver películas pagas, que será el modo de recuperación de los productores en lugar de la taquilla“.

‘Estas son dos medidas para la reconversión del sector y para garantizar la exhibición de todas las películas argentinas. Lo importante de todo esto es la reconversión de la industria cinematográfica a las nuevas tecnologías“, agregó la titular del Incaa, que espera tener listo Incaa TV y el sitio web en abril próximo. ‘Es muy importante saber qué piensa el público de las películas, no para condicionar la producción, pero sí para obrar con respecto a la cuota de pantalla, porque nosotros pensamos que cada película tiene su propio público“, afirmó Mazure en una entrevista que mantuvo con Télam junto al gerente de Fiscalización del Incaa, Mario Miranda.

‘Queremos saber qué tipo de películas va a ver la gente de cada una de las diferentes salas del país. La idea no es guiar la producción, porque los márgenes de nuestro cine son muy amplios desde temáticas, tratamiento y miradas sobre la realidad, pero sí tenemos que saber dónde es mejor ubicar cada una de esas películas“, explicó la cineasta.

‘Estamos haciendo un trabajo a partir de todo lo que ocurrió en 2009, para pensar en función de los resultados que uno quiere obtener, porque -opinó Mazure- no todas las regiones del país quieren ver lo mismo, cada una tiene una temática que les interesa más o menos“.

En ese sentido, Miranda sostuvo que ‘es muy importante la manera en la que se comunica que la película existe. Hay películas cuya comunicación no se hace de una manera adecuada. Y una de las cosas que intentamos saber es cómo la gente elige ir al cine y qué tipo de películas prefiere mirar y dónde“.

Además, señaló Miranda, ‘los exhibidores del interior se quejan de que las películas no les llegan, que los distribuidores no se las mandan. Los distribuidores no apuestan al interior por el alto costo del transporte y por el deterioro de las copias. Sin embargo, nuestro objetivo es que el cine argentino llegue más al interior“.

‘El desafío de este año -añadió el funcionario- será que el cine argentino llegué más al interior del país y para eso utilizaremos mucho más los Espacios Incaa, además de incorporar otras salas.”( Diario de Cuyo)

Se han ido confirmando fechas de estreno y distribuidoras para las principales películas nacionales de este año.

Plan de estrenos y festivales del cine argentino para 2010

Adrián Caetano: en marzo estrenará su nueva película.

Ernesto Sábato: su hijo dirigió una película que trata sobre tu vida.

Burman: su película (con Gasalla y Graciela Borges) llega en abril.

En marzo de cada año, comienza la temporada "fuerte" para el cine argentino que continúa hasta junio y se retoma en agosto (durante las muy rentables vacaciones de invierno de julio la presencia de las películas nacionales suele ser mínima). Por lo tanto, ya se va definiendo el panorama para un año que será rico en cantidad de títulos (esperemos también en calidad artística) y, por lo tanto, muy competitiva.

En diálogo con OtrosCines.com, Pascual Condito -titular del sello Primer Plano y responsable del lanzamiento de buena parte de la producción nacional- confirmó que "acabamos de llegar a un acuerdo para estrenar en agosto, justo antes del nuevo film con Adrián Suar y Florencia Bertotti (Igualita a mí) que aún no está filmado pero ya tiene fecha de lanzamiento, Pájaros volando, la película con Diego Capusotto y Luis Luque. Estamos convencidos de que es una excelente comedia y, como Soy tu aventura, del mismo equipo, ya había funcionado bien (más de 60.000 espectadores), vamos a lanzarla con unas 70 copias aprovechando también el gran momento artístico de Capusotto".

Condito indicó también que tiene los tres títulos nacionales que participan del Festival de Berlín: Rompecabezas, Por tu culpa y El recuento de los daños (hay también una coproducción con México) y que lanzará varios de los títulos más importantes de esta temporada como los nuevos films de Adrián Caetano y Daniel Burman.

Las fechas de estrenos hasta el momento (pueden sufrir modificaciones) son las siguientes:

18/2: Adopción, de David Lipszyc
18/2: Plumíferos, aventuras voladoras, de Daniel De Felippo 
11/3: Francia, de Adrián Caetano
18/3: Paco, de Diego Rafecas
25/3: Ernesto Sábato, mi padre, de Mario Sabato
25/3: La mosca en la sopa, de Gabriela David
1/4:   Dos hermanos, de Daniel Burman
15/4: Vecinos, de Rodolfo Durán
29/4: Rompecabezas, de Natalia Smirnoff
6/5:  Zenitram, de Luis Barone
20/5: Eva y Lola, de Sabrina Farji
20/5: El mural, de Héctor Olivera
Mayo (sin fecha): Las heridas (aka Carancho), de Pablo Trapero 
3/6:  Por tu culpa, de Anahí Berneri
15/7: Cuento de la selva, de Norman Ruiz y Liliana Romero
5/8:  Pájaros volando, de Néstor Montalbano
12/8: Igualita a mí, con Adrián Suar
2/9:  El hombre de al lado, de Mariano Cohn y Gastón Duprat
9/9:   Gaturro, de Gustavo Cova

Las que quieren ir a Cannes

Son varios los títulos que aspiran a participar en alguna de las secciones del principal festival del mundo. Pablo Trapero intentará regresar a la competencia oficial (donde participó con Leonera) con Las heridas (antes conocida como Carancho), su primer film con Ricardo Darín.

El productor Hernán Musaluppi, responsable de la productora Rizoma Films, confirmó a OtrosCines.com que tendrá a tiempo para mayo sus dos nuevas películas, ambas concretadas con participación alemana: Un mundo misterioso, de Rodrigo Moreno (esta semana finalizó el rodaje); y Medianeras, de Gustavo Taretto, así que intentará ubicarlas en Cannes, el ámbito ideal para la proyección internacional y las ventas de todo largometraje.

Quienes también aspiran a ingresar a la selección de Cannes son Diego Lerman con Ciencias morales, película realizada en coproducción con Francia, y Alejandro Chomski con Dormir al sol, mientras que es muy difícil que llegue a tiempo Ana Katz con Los Marziano, ya que recién en los próximos días arrancará la filmación.

Tampoco hay que descartar que alguna de las películas que tendrán su premiére en el próximo BAFICI pueda dar la sorpresa y acceder a secciones como Un Certain Régard, Quincena de Realizadores o Semana de la Crítica de Cannes. “Otroscines.com)

Autor y director, afirma que el pecado mayor que se puede cometer en el teatro es aburrir

“Cuando alguien cuenta su historia pareciera que no tardan en aparecer las circunstancias por las cuales se convirtió en novelista, narrador o pintor. Pero en mi caso, no hay nada que indicase que me iba dedicar al teatro. Había un aprecio por la cultura y el arte en mi familia, pero ningún tipo de práctica. En ese sentido, creo que nací de gajo.”

”Recuerdo muy bien el momento en que apareció algo vinculado al enamoramiento. Quedé prendado cuando mi madre me llevó a ver Despertar de primavera, dirigida por Alezzo. Tenía 13 años. Lo que me impactó fue el rito de estar dentro de un teatro. Un año después iba solo a ver todas las obras que podía. Era un freak que disfrutaba con lo que más me gustaba.”

”Quería ser actor. Estudié muchos años de adolescente en el Payró, después con Carlos Rivas y Carlos Gandolfo. El vio cosas que escribía en ese momento. A los 15 años escribí una obra corta, Dos mujeres. Todavía hoy, cada dos semanas, recibo el pedido de algún elenco para montarla.”

”Fui espectador del primer Teatro Abierto. Vi todo. Era una fiesta como nunca he vuelto a vivir. En ese momento, me sorprendieron obras que luego fueron las más olvidables porque eran coyunturales. Entraba un personaje con un par de botas gigantes y uno se emocionaba y aplaudía sólo por ese gesto.”

”Luego de una función de "¿Estás ahí?"en el Cervantes, Julio Baccaro me llamó para hablar en su despacho. Creí que me iba a felicitar, pero me dijo "sos un pelotudo. Tendrías que haber hecho esta obra en la calle Corrientes". Cuando ensayaba pensé que no resistía la tercera fila.”

”El pecado más grande que se puede cometer en el teatro es aburrir. Mi preocupación siempre ha sido mantener al espectador atrapado y atento. El arte de atrapar es muy complejo. Una obra no sólo tiene que ser entretenida sino convocar emocionalmente. Entran una cantidad de cosas que estaré toda la vida tratando de descifrar.”

”Hice la colimba durante Malvinas. Haber sentido de cerca la muerte prematura y feroz, hicieron que tratara de hacer lo que más me gusta en la vida.”

”Lo que llamamos intuición, yo lo llamaría el capricho. La intuición es ese antojo que no encuentra razones. A eso hay que hacerle caso. Un proceso de trabajo tiene que llevar adelante ese capricho para poder descubrir por qué uno estaba obsesionado. Creo que todas las intuiciones anidan en cuestiones infantiles y el arte, en sí mismo, es la prolongación de un juego que puede multiplicar sus sentidos al infinito.”

”Escribo y banco mi primera publicación en el ´90. A nadie le interesaba lo que hacía. Así fueron seis años. En esa época la dramaturgia argentina quedó en una zona un poco siniestra. Se terminaron los militares y se necesitaba algún mal para que el arte existiese. Yo sostengo que uno está atravesado por esa realidad y no por eso tiene que traducirla a términos teatrales. Sostenía que al terminar la dictadura, todas las artes debían lograr su especificidad.”

”Gore tuvo una presencia muy fuerte en España. Barcelona se me ofreció como un laboratorio donde podía probar lo que quisiese. Estuve varios meses allá y acá. Pero necesito cerrar esa etapa catalana. En el tema de la paternidad me sentí culpable por estar ausente largos períodos. Todo fue posible gracias a la mamá de Agustín. Ella bancó mucho tiempo esta cuestión. Creo que no importa tanto lo que uno hizo o que dejó de hacer, sino cómo están los hijos. Y Agustín está muy bien.”

”Ricardo Monti me enseñó a ser fiel a mi propia intuición. Cuando uno empieza a escribir necesita sentir que su escritura se parece a la de alguien consagrado para así poder considerarla más o menos potable. Estamos marcados por los modelos. Si nos parecemos a los modelos somos buenos, si no nos parecemos, somos malos. Ricardo me enseñó a tolerar la frustración de que mi escritura no se asemeje a la de nadie y aún así poder defender desde el trabajo la singularidad de la misma.” (Clarín)

Internacional

Nuevos aires en la dramaturgia exploran esta área, según diario de Asunción.

En Paraguay, el teatro social se renueva con noveles autores

A través de sonrisas y a veces de lágrimas, el teatro busca conmover y llevar a la reflexión a los espectadores acerca de diversas problemáticas de la sociedad. Nuevos aires en la dramaturgia exploran esta área.

”El teatro con temática social despierta la pasión de noveles dramaturgos paraguayos que reviven el espíritu de iconos de nuestra cultura, tales como Julio Correa o Josefina Plá.

"Creo necesario para el ambiente artístico nacional que se escriban historias con personajes y pensamientos propios, donde el jopara y el guaraní sean constantes", opina Hugo Robles, joven dramaturgo.

El teatro con temática social es aquel donde la puesta asume una "postura crítica y política ante fenómenos producidos en determinadas sociedades", explica el Agustín Núñez, teatrista formador de dramaturgos.

El director y fundador de El Estudio menciona a otros autores que hicieron camino e inspiraron a los jóvenes: Tadeo Zarratea, Moncho Azuaga, Alcibiades González Delvalle y Ovidio Benítez Pereira.

Robles, autor de obras como Guapas, alienta a los dramaturgos a perder el miedo a los modismos como katu, picó o nambre luego.

Para el autor de Techaga'u, un requisito fundamental es salpicar de humor el desarrollo de temas crudos o considerados "aburridos".

Así también opinan sus colegas Nelson Silva (Domesticadas) y Mario Santander (Doble juego), aunque este último defiende también al género dramático.

Santander, también docente de las tablas, alienta la creación dramática argumentando que el teatro refleja sueños, ideales y relaciones interpersonales de una sociedad, más allá de sus problemáticas.

En ese sentido Silva resalta a Azuaga, unos de sus referentes, de quien valora su denuncia al maltrato de niños y adolescentes en la obra Prohibido en la plaza los niños y los perros.

ALGUNAS PUESTAS. Entre las creaciones que abordan temas sociales con toque de género se puede mencionar Comisión de damas de Hugo Robles, Domesticadas, de Nelson Silva o Lilí de Mario Santander.

Son pocas las entidades que apoyan proyectos de producción de dramaturgia nacional. Los dramaturgos mencionaron al Fondec, el Centro Cultural de España Juan de Salazar y el Fondo para las Artes Escénicas.

"Para producir no dependemos del apoyo de organizaciones sin fines de lucro o empresas privadas, porque no siempre se da, y si lo hiciéramos, estaríamos aún soñando con hacer teatro", sentencia Nelson Silva.

"DESTACAR A LOS CREADORES"

"Considero que en el ámbito teatral se debe destacar más la labor dramaturgo, del creador de nuevos textos, lenguajes y planteamientos. Existen muchos y buenos actores, pero faltan más directores y sobretodo más dramaturgos. Otra área donde veo falencias es la crítica especializada, actualizada, y que ofrezca mayor seguimiento a las creaciones nacionales, también con un amplio criterio asertivo."

"EL HUMOR PARA MIRAR REALIDADES"

"Para mí el humor es la mejor forma de mostrar la realidad, ya que la gente está cansada de ver sufrimiento. Generalmente dice que la vida ya tiene suficiente drama como para ir al teatro a ver más. El público quiere un escape a la realidad y lo busca en la comedia. Los que escribimos historias respondemos a esas expectativas, envolviendo la realidad en carcajadas e invitando a reflexionar."

"HAY QUE FORTALECER EL QUEHACER TEATRAL"

El dramaturgo Ramón Azuaga, más conocido como Moncho, reflexiona acerca de la producción teatral y dice que urge mayor promoción y apoyo a esta tarea.

Reclama la atención de la prensa para la discusión y análisis de las obras así como de espacios de radioteatro.

"Esto es fundamental para el fortalecimiento del quehacer teatral, así como para la generación de un público creciente y crítica rigurosa y orientadora", reflexiona.

El autor de diversas obras como Los niños de la calle o Criaditas SRL cuenta que la temática social en el teatro costó a muchos trabajadores de la escena persecuciones, prisión y exilio en épocas de dictadura.

A pesar de esto, en la década de 1970 el movimiento independiente de aquel tiempo aportó grandes propuestas con temas sociales, entre los que se destacan grupos como TEA, Tiempoovillo, Aty Ñe'ê y Laboratorio.

Azuaga reclama a entidades de organización no gubernamental, empresas privadas y al Gobierno que reconozcan "la gran potencialidad pedagógica y formadora de ciudadanía a través del teatro".

El dramaturgo pide que las instituciones educativas así como las empresas, cooperativas, comisiones barriales y otras agremiaciones busquen incluir al teatro en sus agendas y programas de capacitación ciudadana.” (Diario Ultima Hora)

Villanueva Cosse, antes del estreno que abre la temporada del Cervantes

“En democracia, ‘Marathon’ se torna más metafísica”

La obra de Ricardo Monti, en la que los personajes bailan hasta la desesperación por un premio que no conocen, se montó por primera vez en 1980. Ahora, el director uruguayo la revisita con algunas modificaciones y una nueva resonancia.

“La crítica ha señalado que un rasgo característico del teatro de Ricardo Monti es la alternancia de secuencias oníricas y escenas que aluden a la historia del país, animadas por personajes que, en un crescendo de actitudes exasperadas, terminan generando actos de violencia. También se ha dicho que el autoritarismo es uno de sus temas recurrentes. En Una noche con el Sr. Magnus e hijos, de 1970, los hijos siguen en la casa unidos a su tiránico padre por el miedo que éste les infunde, obligados a presenciar una y otra vez escenas que reafirman un poder instituido. En Marathon, Monti también habla de la represión y el sometimiento. En una prueba de resistencia, seis parejas bailan día y noche para obtener un premio incierto, hostigados por el presentador del evento y su guardaespaldas. Ubicada en los años ’30, la situación inicial descubre a unos personajes desesperados que intentan revertir, en plena crisis, sus vidas miserables. A partir de esa situación, la pieza se estructura en una serie de escenas que revelan fragmentos de las vidas de los concursantes, secuencias que refieren a sueños y pesadillas de los allí presentes, y cuadros que escenifican, más o menos veladamente, algunos momentos de la historia del país, convertidos en mitos por Monti. Así, entre otras escenas, se recrea la fundación de Buenos Aires por parte de un Pedro de Mendoza sifilítico y agonizante, se habla del surgimiento de la oligarquía a partir de alusiones a El matadero, de Echeverría, y se deja constancia del ascenso del fascismo, desde el desbocado discurso del propio guardaespaldas.

Marathon fue estrenada por el equipo Teatro Payró, bajo la dirección de Jaime Kogan, en 1980. Y el contexto político y social de entonces condicionó la lectura de la pieza en una sola dirección: “Ahora, en democracia, liberada de esa referencia específica que es la dictadura, la obra planea, adquiere otro vuelo”, opina Villanueva Co-sse, que dirige la nueva puesta que abrirá la temporada del Cervantes (el estreno será el domingo próximo). No obstante la crudeza de las situaciones representadas, la obra no está “imbuida de un escepticismo escapista”, aclara el director, sino que alerta al espectador acerca de la necesidad de implementar cambios de fondo. Villanueva Cosse argumenta: “Muchos hablan de Discépolo como si él hubiese disfrutado de su pesimismo. La letra de ‘Cambalache’ es un diagnóstico brutal, habla de la condición de desbarajuste de este mundo, de la falta de solidaridad. Discépolo quería crear una conciencia. Monti es menos agresivo, pero él también está diciéndonos que seamos conscientes de esto que nos pasa”.

Uruguayo de nacimiento, aunque argentino por opción, Villanueva Cosse cita a su maestro de los años de aprendizaje en El Galpón, de Montevideo: “Atahualpa del Cioppo decía que los actores somos trabajadores sociales que la sociedad misma desconoce, porque no piensa que necesita de los artistas. Pero lo que a veces se ignora no deja de ser necesario. Es importante levantar el velo de la ignorancia y hacer pensar. Por eso me gusta hacer un teatro que llegue al corazón, no un teatro digestivo. Que el público salga diferente, aunque sé que tal vez esto les ocurra sólo a cinco espectadores”.

Villanueva Cosse dice que al elenco de Marathon le sucedió lo mismo que al de Marat Sade, su puesta anterior: se enamoró de la obra durante los ensayos. “Igual que en aquella oportunidad, los actores trabajaron y también opinaron, y de ellos fui tomando ideas que ayudaron a que la obra tuviese un mejor funcionamiento.” El elenco está integrado por Pompeyo Audivert, Luis Campos, Verónica Cosse, Patricia Durán, Marcelo Fiorentino, María Fiorentino, Irene Goldszer, Iride Mockert, Montenegro, Iván Moschner, Pepe Novoa, Lucía Ro-sso, Sebastián Richard y Martín Slipak. La música original pertenece a Carmen Baliero, el vestuario, a Daniela Taiana y el diseño escenográfico, a Tito Egurza. Un dato curioso: el mismo Egurza fue el responsable de la escenografía, no sólo del estreno original de la pieza, sino también de las reposiciones que el mismo Kogan dirigió en el Payró, en 1983, y en el Colón, en 1990.

–¿Usted vio la primera versión de esta obra?

–No vi Marathon cuando fue estrenada, tal vez porque estaba haciendo Lisístrata, con Leonor Manso, en la misma sala (Los Teatros de San Telmo). Sé que tuvo muy buenas críticas y que fue un éxito de público, en términos de lo que pasa en el teatro off. Me parece que, como pasó después con Teatro Abierto, Marathon significó una especie de aglutinación de las enorme necesidad de comunicación que suelen tener las personas que, en algunos momentos precisos, quieren pensar sobre determinados temas.

–¿Cuál fue la razón de ese poder?

–Marathon apuntaba al corazón de esa época. Hablaba del autoritarismo, del ojo que, como el gran hermano, está controlándolo todo. Pero intuyo que la percepción de la obra no fue lo necesariamente amplia. Hoy pienso que Marathon es histórica y ahistórica a la vez. Muestra al hombre como si fuera un insecto social visto por un entomólogo, pero no desde arriba, sino como si ese científico quisiera entender qué une y desune a esos personajes y cómo se codean con el absurdo.

–¿Puede decirse que sus conductas son absurdas?

–Las conductas por sí solas no alcanzan a definir las razones que tiene un hombre para actuar de un modo u otro. Si alguien se tira al río y se hunde podría decirse que o es un temerario o es un suicida. Pero si se sabe que su hijo cayó antes que él, las cosas son diferentes. Estos personajes bailan y se dejan tiranizar y no se sabe por qué.

–Bailan para obtener un premio incierto...

–Sí, un premio que no saben en qué consiste. Y que ellos acepten bailar sin saber por qué es lo que da la medida de su desesperación. Ellos quieren salir de lo que viven y conocen, y para lograrlo aceptan ser humillados y torturados. Puede que parezca absurdo que bailen sin saber por qué lo hacen. Lo que es terrible es que ellos saben de dónde vienen.

–¿Cómo imagina que será en este momento la recepción de Marathon?

–Cuando se vivía bajo una dictadura, se puede decir que la metáfora de la obra era tan clara que se volvía realista. Ahora, en democracia, liberada de esa referencia específica como es la dictadura, la obra planea, adquiere otro vuelo. Nos hace pensar en otras cosas. Avanzamos, sí, pero, ¿hacia dónde? ¿Cambiaron realmente los sistemas de poder? Marathon nos inquieta porque toca zonas pánicas. En estos momentos, la obra se vuelve más metafísica. El hombre teme a la muerte, pero ahora estamos temiendo a la vida. “¿Para qué estamos aquí?” es una pregunta tan vieja como la filosofía. Todos están conscientes de que algo está muy mal, de que algo no funciona. Cada vez hay más pobres y los economistas parecen científicos locos que no tienen en cuenta a nadie.

–¿Le costó decidir cómo realizar la puesta en escena?

–Marathon es un texto muy teatral. Como director tengo bastante imaginación. Diría que es uno de mis fuertes: cuando hago una obra, sueño, me desvelo, busco permanentemente. Pero con esta obra no doy abasto, porque da jugo por todos lados.

–¿Por qué dijo que es una obra atemporal? Hay una especie de
cronología que va jalonando la acción.

–Esas menciones a lo temporal las quité con el permiso del autor. En esta puesta, la acción no ocurre en los años ’30. El vestuario remite a diferentes épocas, que van desde los ’30 hasta los ’70. También cambió la música, porque hay tango y milonga, pero también pop y mambo.

–¿Cómo son los personajes?

–Son fragmentarios, traen con ellos pedazos de vida. Como si fueran parte de un rompecabezas del que se perdieron piezas. Como un carrusel que gira y que deja ver, al pasar, fragmentos de una y otra cara. Muertos de cansancio, los personajes funcionan como un coro en primer plano, pero después retroceden a una cuarta línea mientras que uno de ellos se transforma en corifeo. Los grandes pintores sabían de la importancia de dejar adivinar al que observa.

–A veces esos personajes dejan de ser ellos mismos para transformarse en personajes históricos en un contexto determinado...

–Sí, pero luego vuelven a ser ellos otra vez. Como si se dijera que el hombre es su circunstancia.

–Hay un aspecto mítico que está muy presente en la obra.

–El mito está alejado del detalle, participa de lo fabuloso, tiene que ver con impulsos esenciales de quien lo construye. Forma parte del mito la idea de que la nación está constituida sobre la iglesia, el ejército y el campo. El mito adquiere una vida eterna, convive con nosotros más allá de nuestro devenir, es algo que se adhirió al genoma del país.

–¿Cómo funcionan estos mitos en el interior de la obra?

–Los mitos son como las patas de una mesa que busca su equilibrio. Las patas apolilladas, podridas, de nuestro nacimiento. Son los soportes históricos que luego se vuelven mito y que parecen sostener el sentido de la nación. Siempre nos estamos preguntando acerca del ser argentinos. Es casi un deporte nuestro.

–¿Cuáles son esos soportes míticos?

–Mendoza habla de la fundación, de un nacimiento muy poco deseable, porque se ha ocupado un territorio por la fuerza. Es algo que se puede relacionar con lo sucedido siglos después en la Campaña al De-sierto. Creo que haber nacido como colonia marca nuestras acciones políticas. Y hablar desde ahí de independencia se vuelve muy difícil. Casi trescientos años después de la fundación, Mariano Moreno se presenta como un joven envenenado por sus ideas republicanas, por sus ideas de la gran América. El tercer mito se refiere a la oligarquía, con la alusión a El matadero, de Esteban Echeverría. Se ve el nacimiento de los barones de la tierra, el surgimiento del alambrado. De la enorme acumulación de vacas, aparece una suerte de égloga que habla de la matanza de animales. Ahora mismo tenemos el cultivo de la soja y el tractorazo...

–¿De qué modo se filtran los sueños de los personajes?

–Los sueños y pesadillas aparecen como grietas del movimiento continuo, de donde emerge lo no dicho, los aspectos desconocidos de cada personaje.

–En Marathon hay escenas donde aparece lo onírico y la memoria
colectiva. ¿Qué pasa en los momentos de vigilia?

–Se trata de una vigilia estropeada, porque no es la vigilia de un hombre alerta y disponible, sino de unos seres que se resisten a caer. Es el baile de la obnubilación, del estrés infrahumano al que es sometido el trabajador cuando tiene trabajo y el hombre, cuando está desocupado. Sartre decía que, en el mundo capitalista, el obrero siente el cansancio como algo que corresponde a su clase. En cambio, en el mundo socialista, el obrero siente el cansancio como algo privado. Es él quien está cansado, no su clase. Esa gente que baila busca un sostén, una razón, un sentido. Ganar algo, ser el número 1 por un instante. Se puede decir que han caído en las manos de una suerte de antecesor de Tinelli.” (Página 12)

Ilusión sin lo ilusorio

Curiosidades

Es un programa del Ministerio de Justicia provincial que beneficia a 125 reclusos. Las actividades culturales les permite sumar puntos por buena conducta y así acceder más rápido a las salidas transitorias o a la libertad condicional

Córdoba: le reducen la condena a presos que hacen ¡obras de teatro!

Una polémica y controversial medida se tomó en Córdoba tras  quedar determinado que 125 presos de cárceles cordobesas, que participan en talleres de actuación, música y gimnasia, se beneficien con la reducción de sus penas y a la vez adquieren habilidades, que les será de utilidad a su retorno a la libertad.

La medida, que ya genera discusión, se tomó con los reclusos que  están insertos en un programa que lleva adelante el Ministerio de Justicia de la Provincia, con talleres en los penales de Bouwer de varones y mujeres; el penal de San Martín y las cárceles de Villa María, San Francisco, Río Cuarto, Villa Dolores y Cruz del Eje.

De esta manera, los  presos  que realizan estas actividades acumulan puntos por buena conducta que les permite llegar de la mejor manera a la  evaluación trimestral que se les efectúa y así poder acortar los  períodos de las penas que recibieron.

El director del Servicio Penitenciario de Córdoba, José María Bouvier, explicó de que "si el interno cumple con las pautas de trabajo, eso significa que mantiene normas de buena conducta y esto impactará en la evaluación y en el tratamiento que le da el servicio penitenciario".

Los profesores son aportados por la Secretaría de Cultura de la Provincia, por grupos de teatro independiente y por el propio Servicio Penitenciario.
 
De esta manera, cuando llega el momento de las evaluaciones trimestrales o semestrales, los presos pueden adelantar períodos y fases de tratamiento, pudiendo llegar más rápido a la etapa de "salidas transitorias" o incluso a la libertad condicional, acotó el director.

El miércoles, dentro de este mismo programa, se presentaron en la Penitenciaria de Córdoba, ocho internos de la Unidad Penitenciaria número 7 de San Francisco, bajo la dirección del profesor Pedro Ordóñez.

El grupo conformado por los internos que purgan condena en la cárcel del este cordobés se presentó ante los internos de la Penitenciaría de barrio San Martín con la obra "Miss Lavandina". (Infobae)

Ida y vuelta
Boletín semanal informativo de Argentores
Departamento de Comunicaciones
Editor General: Leonardo Coire (lcoire@argentores.org.ar)