La entidad / actos con público

Se entregaron los premios Susini

La radio, prendida al corazón

Emocionado, Guido Gorgatti, recibió la distinción. Foto: Magdalena Viggiani



La periodista Magdalena Ruiz Guiñazú también fue premiada. Foto: Magdalena Viggiani.

El Consejo Profesional de Radio, en coincidencia con el Día Internacional de la Radiodifusión, entregó los premios Susini el pasado 27 de agosto. Los miembros de la comisión (Presidenta, Mabel Loisi; Secretaria, Nora Massi; Vocales, Ivonne Fournery y Víctor Agú y Vocales suplentes, Inés Mariscal y Pascual Tudino) fueron los coordinadores del encuentro, que se desarrolló en el auditorio Laferrere de la entidad.

Recibieron el Galardón Susini:

Radio Universidad de La Plata
Federación Argentina de Radios Comunitarias (Farco)
Facundo Cabral - trayectoria
Guido Gorgatti - trayectoria
Nora Cárpena - trayectoria
Magdalena Ruiz Guiñazú - trayectoria
Marcelo Guaita (Radio Nacional, programa La Fonola)
Alberto Lotuf  (Radio Del Plata,  programa Dicen que dicen)
Radio Uba (Por la identidad)
Recibieron la Plaqueta Susini:
Julieta Pink – (Radio Metro - programa Gorda con helado)
Hugo Jáuregui - radio 90.5 Radio FM Virasoro - Goya Corrientes -creación de una radio escuela desde hace 9 años

Retorna una tradicional propuesta al auditorio de la entidad

Eso sí regresa

El miércoles 9 de setiembre  continuará el ciclo "De eso sí se habla". De Mabel Loisi, en la oportunidad se representará la obra "Mi abuelo el cura - cacerolazo al amor". Dirección, Julio Baccaro. Como es habitual, habrá un panel-debate a cargo del Dr. Daniel Smechow, la Lic. Gabriela Gabino, Dra. Romina Abiad, y la Lic. Gladys Sragowitz. Dará comienzo  las 19.30 en el auditorio Gregorio de Laferrere de la sede de Pacheco de Melo. Entrada libre y gratuita.

En el Anexo; se anuncia la presencia de “Tito” Cossa y Roberto Perinelli

Esta tarde, charla sobre creación dramática

En el marco de las celebraciones por los treinta años de trabajo consecutivos, y dedicados al repertorio argentino, el Grupo Teatral Mester invita a las charlas sobre la creación dramática, a cargo de los autores Roberto Cossa y Roberto Perinelli. Las mismas se realizarán en el anexo de Argentores, Montevideo 696, hoy, viernes 4,  y el 11 de septiembre, a las 19 hs. La coordinación de las charlas estarán a cargo de José María Bindi, director del grupo.

Signo de los tiempos

Horangel será el invitado al habitual ciclo de humor que  los primeros lunes de cada vez conducen en el auditorio Gregorio de Laferrere Carlos Garaycochea y Marcela López Rey. La reunión ,entonces, este lunes 7, a las 19.30 y con entrada libre. 

Primavera, con aire libre

A Ecosol

Para ir agendando: el sábado 3 de octubre se realizará una nueva excusión a Ecosol, en el Tigre. Como es habitual, se partirá en micro por la mañana desde la sede de Pacheco de Melo. En ediciones próximas, mas información.

Nuevas tendencias

Los blogs como nueva fuente de ideas para teatro y televisión

Dime lo que posteas y te diré qué serie podemos inventar

La autora de Ciega a citas, el blogger creador de Más respeto que soy tu madre –éxito teatral con Gasalla– y el productor de Gastón Pauls opinan sobre una tendencia que crece

“Con el traslado de Ciega a citas a la tele de la mano de Rosstoc, la productora de Gastón Pauls, y Dori Media, un fenómeno que se gestó en la web, recibió dos millones de visitas en ocho meses y medio y se editó en formato libro, se podrá ver en la pantalla televisiva a principios de octubre.

Se suma a una tendencia que crece: si las blogonovelas obtenían su pico de trascendencia cuando pasaban al papel, de un tiempo a esta parte, los escritos virtuales se trasladaron a otros formatos, incluso más masivos que el libro.

La pionera en el universo televisivo fue Diario de una prostituta, un blog que fue adaptado en formato reality show, emitido por VH1. Su protagonista, la bella actriz Billie Piper, interpretó a Belle, el alias que adoptaba para ejercer.

En el teatro porteño, la obra Más respeto que soy tu madre, protagonizada por Antonio Gasalla, trabaja a sala llena y con colas de una cuadra. Pero no todos saben que se basa en el blog Mujergorda.bitacoras.com, de Hernán Casciari. “La obra la vi dos veces. El día del estreno y no hace mucho, para la fiesta de los primeros cien mil espectadores. Ahí la vi otra vez, ya con más calma, y me parece excelente”. El autor está más que conforme con la adaptación del capocómico, a quien recurrió para que sea él y no otro quien interprete a la señora Mirta Bertotti. Además, el blog será llevado al cine por Juan José Campanella.

En la obra, el personaje de la hija está interpretado por la joven Eliana González, que reconoce que no conocía el blog de Casciari hasta que audicionó para quedarse con el papel. En ese momento compró el libro y se hizo seguidora de las entregas virtuales de la familia imaginaria oriunda de Mercedes. “Antonio hizo una adaptación muy fiel del blog, pero lo que pasa es que también el autor escribió todo de una manera muy visual”.

En el Paseo La Plaza se acaba de estrenar La loca de mierda, del blog homónimo, una obra de stand up en la que Malena Pichot narra sus desventuras amorosas.

PINGUNOS CIEGOS. La autora de Ciega a citas, Carolina Aguirre, recuerda la génesis del proyecto de adaptar lo que estaba en la pantalla de su computadora a la otra pantalla: “Cuando el blog se empezó conocer me ofrecieron de todo: un reality show, cine, novela, serie, libro, muñecas con la cara del personaje, Lucía. Cuando llegó la propuesta de Rosstoc ya había descartado varias, sobre todo porque me proponían formatos o estilos que no tenían que ver con el mío. Ellos en ese momento estaban haciendo Todos contra Juan, que se alejaba mucho de ese tono costumbrista de clase media que toma mate y hace la casita al fondo de los viejos que a mí mucho no me gusta. Y acepté transformarlo en una serie”.

Uno de los dueños de Rosstoc, Alejandro Suaya, reconoce que tienen un equipo de investigación atento a lo que sucede en la web. “El formato virtual tiene varias ventajas; el desarrollo y la ejecución de una idea, por ejemplo. Un blog lo hace cualquiera, pero un capítulo de una tira o una puesta de teatro no”. La creación de Aguirre tuvo un promedio diario de 10 mil visitas y el capítulo final fue leído por 18 mil personas.

“El blog te permite mostrar lo que hacés, pero no necesariamente es bueno –dice Aguirre–. Hay de todo, como en todos lados”. Casciari también baja decibeles fenomenológicos: “No creo que exista el universo blogger. Supongo que cualquier buen escritor del futuro, o guionista o lo que sea, ahora está escribiendo en internet, pero no por moda sino porque... ¿dónde carajo va a estar escribiendo?”.

Diablo Cody, la pionera del fenómeno

El súmmum de la blogosfera fue alcanzado por Diablo Cody –seudónimo de Brook Buses–, una estadounidense que alcanzó la fama mundial después de escribir La joven vida de Juno, película ganadora del Oscar al mejor guión y nominada a otros tres premios de la Academia en 2008. Pero la oportunidad le llegó a la escritora después del blog Candy Girl, en el que narraba sus experiencias como stripper durante un año.” (Crítica)

El sitio de Google extenderá su programa de pago por anuncio a los creadores de producciones virales Volver

YouTube pagará a los autores de los videos más vistos en la página web

“La página de vídeos YouTube anunció que compartirá sus beneficios no solo con los canales más populares de la web, sino también con sus one hit wonders, es decir aquellos usuarios que, por variadas razones, han publicado algún vídeo que ha tenido un número extraordinario de reproducciones en la Red.

Estos éxitos ocasionales, también conocidos como vídeos virales, porque son difundidos de boca a oreja por los propios usuarios, son una de las razones por las que YouTube sigue siendo el líder de las páginas de vídeos en Internet, aunque haya cada vez más competencia, como Vimeo, Hulu, CurrentTV, etcétera.

«Decidimos que era hora de compartir esta riqueza», afirmó en el blog oficial de la web el gerente de Producto de YouTube, Shenaz Zack. El programa, una extensión de asociación con los usuarios más populares, fue probado con algunos de los vídeos más vistos este año. Uno de ellos se llama David after Dentist (David después del dentista, en inglés).

Un vídeo solo para la familia

El 30 de enero del 2009, un hombre estadounidense publicó en su canal en YouTube un corto vídeo que había grabado de su hijo meses antes. El niño, que se llama David y tenía entonces 7 años, había tenido una cita en el dentista, donde le aplicaron una anestesia para quitarle un diente. Aún afectado por el medicamento, David empezó a actuar de manera graciosa y su padre lo grabó durante unos minutos para enseñárselo a su esposa, que no pudo acompañarlos al dentista.
Después, decidió publicar el vídeo en la web porque así era más fácil que sus parientes lo pudieran ver. En pocos días, el padre de David se dio cuenta de que para lo que había hecho no había vuelta atrás.

El vídeo empezó a ser transmitido por correo, Facebook y la nueva y mejorada herramienta de difusión de enlaces en la Red, Twitter. Luego llegó a su primer millón páginas vistas y, ayer, ya superaba los 28 millones de reproducciones. El padre de David gana ahora miles de dólares al mes con los anuncios del sistema AdSense de publicidad desarrollado por Google.

Zack explica que los usuarios que ganen muchas visitas por un solo vídeo podrán optar por integrar el exclusivo club de productores amateurs de contenido audiovisual que ganan beneficios de anunciantes a través de sus vídeos en YouTube. «Estamos animados para ver cómo las asociaciones con vídeos individuales ayudarán a aún más personas ganar dinero con el éxito de YouTube», afirmó el gerente en el blog-“ (La voz de Galicia)

Información general

Todos los lunes de setiembre, en el Teatro del Pueblo 

Ciclo de teatro semimontado /Homenaje a Roberto Arlt

7/14/21 y 28 de septiembre a las 20 hs, con entrada libre y gratuita. Roque Sáenz Peña 943
El Teatro Del Pueblo-SOMI (Fundación Carlos Somigliana), institución como objetivo el estimulo del autor nacional, informa que en esta oportunidad homenajeará a Roberto Arlt.
“Dado que la obra de este gran autor argentino es sumamente rica y vasta, además de estar íntimamente ligada a la historia de nuestro teatro independiente y de la figura de Leónidas Barletta su creador”, se indica.
Teatro del Pueblo y SOMI, seleccionan estos textos con el objeto de acercar al público una amplia pincelada de la obra de este maravilloso autor argentino que está a la altura de los grandes clásicos universales.
El carácter y la importancia de la actividad  han permitido que se sumaran a la propuesta figuras como Cernadas Lamadrid, Silvina Bosco, Max Berliner, Claudio Gallardou, Lucrecia Capello, Carlo Argento, Luis Campos, Graciela Pal, Rubens Correa, Laura Azcurra, Corina Fiorillo, entre muchos otras.
Lunes 7 de Septiembre
Charla Apertura a cargo de Cernadas Lamadrid
Aguafuertes porteñas. Dirección: Corina Fiorillo

Lunes 14 de Septiembre
La fiesta del hierro. Dirección: Gladys Lizarazu

Lunes 21 de Septiembre
Saverio el cruel. Dirección: Carlo Argento

Lunes 28 de Septiembre
300 millones. Dirección:  Rubens Correa

Reiteramos un artículo firmado por la autora Adriana Edith Lorenzón en el diario Perfil

La importancia del autor / un lugar en el medio

“Los guionistas son la parte más importante en la tarea de hacer una película, y debemos hacer todo lo que esté a nuestro alcance para evitar que lo descubran." Esta frase de Irving Thalberg, quien fuera jefe de producción de la MGM, tan terrible como cierta, conduce a reflexionar sobre el lugar del autor en el medio artístico y sobre todo en la televisión.

Si bien es cierto que los lugares no se dan sino que se ganan, hoy simplemente "se ocupan", a gusto y criterio (ausente) de quienes tienen el poder de decisión.
No importa la trayectoria del autor, si fue o no artífice de éxitos o si tiene talento; igual que en otros ámbitos como la política, o las empresas, lo que se evalúa no es la capacidad, sino hasta dónde es capaz de "ceder" en su voluntad para ponerse al servicio de quienes lo quieren abarcar todo y cuentan con el poder económico para hacerlo.

Escribir es un don maravilloso y a todo el mundo le encantaría tenerlo.
¿Quién no sueña con sentirse un poco Dios y crear personajes y conflictos para decidir su destino a gusto y piacere? ¿Quién se negaría a hacer llorar o reír a su antojo a miles de personas? Nadie, salvo por la capacidad de poseer o no ese don.

Es obvio que la televisión es un negocio y como tal requiere de la toma de decisiones importantes. Una de esas, tiene que ver con quién escribe un programa, pero antes que eso se decide algo más importante, y es "qué" y "cómo" se escribirá. Y es ahí donde la desesperación por acertar, lleva a cometer errores increíbles. Es una pena que en los canales o en las productoras argentinas no exista un departamento donde se evalúen y desarrollen proyectos con un criterio objetivo, amplio y a cargo de personas idóneas. Esto hace que a la hora de elegir, no se encuentre el gusto por nada y se termine haciendo lo mismo que se hizo antes, sin la autenticidad y la frescura del producto inicial. El tema es por demás complejo. En primer lugar, no existe confianza en el autor. Aun cuando un gran escritor llegue con la mejor historia, siempre hay algo que objetar. Siempre hay algo más para decir sobre lo que otro imaginó, sin tener en cuenta que ese autor quiso decir "sólo eso", y sea suficiente para lograr el éxito.

Salvo que sea tan mediocre como para hablar sólo de sí mismo, el autor "transmite" lo que el público tiene necesidad de ver como si fuera una especie de termómetro de la sociedad.

El lema de Argentores es "Sin autor no hay obra". Sin una palabra escrita, aunque luego se cambie o se olvide, no existiría nada de todo lo demás. Pero si se llegó a esta situación de desconfianza, el autor tiene una gran responsabilidad. Muchas veces es él quien desconfía de sus ideas, quien se desvaloriza por miedo a perder esa "gran oportunidad" de escribir.

¿Quién no recuerda el texto "Un programa de Alberto Migré", abriendo los créditos de una telenovela? En otros países, tampoco tan lejanos, los programas siguen siendo de autor. Aquí se perdió ese espacio y se ganó el anonimato. Lo bueno es que inevitablemente la industria deberá cambiar, porque necesita renacer y la única manera es con grandes historias. Un pedido a los responsables de que la televisión argentina siga viva: confíen, respeten y alienten al autor para que pueda dar lo mejor de sí. Dejen que ocupe su espacio y luego sabrá dar un paso al costado para dejar que su hijo/libro crezca, pero lo hará feliz, satisfecho por la tarea cumplida y dispuesto a gestar nuevos hijos que vayan forjando el futuro venturoso de la industria.”

El dramaturgo también dirige la pieza de su autoría, ubicada en 1919 en Mar del Plata, con familias de la aristocracia porteña alarmadas por los ecos de la Semana Trágica

Mauricio Kartun regresa a escena con “Ala de criados”

“La pieza, que ocupa la sala menor del porteño teatro Del Pueblo, se ubica en un club de tiro al pichón -que existió realmente en lo que ahora es el Torreón del Monje- y refleja aquellos tiempos con episodios de disparos, escándalos, sexo y atentados anarquistas.

El elenco está integrado por Alberto Ajaka, Esteban Bigliardi, Rodrigo González Garillo y Laura López Moyano, con vestuario de Gabriela Fernández, escenografía de Graciela Galán, iluminación de Alejandro Le Roux y diseño sonoro de Guillermo Juhasz.

"Me entusiasma la dirección -expuso Kartun en charla con Télam-, tuve la experiencia de ’La madonnita’ y veinte años antes había hecho algo así, pero después me dediqué sólo a escribir y ahora ya me cuesta más imaginarme escribiendo sin dirigir."

El dramaturgo-director hizo suyas las palabras de su colega Tito Cossa: "En realidad, uno hace teatro para irse a comer todos juntos después de la función", y señaló la alegría que le provoca su doble tarea.

"Terminar un ensayo te permite después destapar una botella de vino y apasionadamente y en caliente seguir hablando de aquello que vengo haciendo desde hace 40 años; si uno no pudiera renovar la pasión, ¿qué sentido tendría, no?", reflexionó.

"Dirigir es extremadamente más divertido que escribir; convengamos que te corresponden las generales de la ley, la compensación de las ’horas-culo’ frente a la pantalla", dijo.

Señaló asimismo que "algunas veces" no estuvo de acuerdo con las direcciones de sus obras "pero creo que no era esa inquietud porque esto es como comprar billetes de lotería, uno lo hace porque cree que en algún momento se va a dar...".

"La dirección es una actividad más humana, el dirigir es sumamente más energizante, el deseo está puesto en un grupo, los ensayos son una actividad para vivir y por el otro lado lo vinculado a la representación está rodeado de una actividad social más interesante", argumentó.

El autor de "Chau, Misterix" señaló que está "atrapado en autoexigencias literarias en forma de literatura dramática que siento que buscan maneras de representación muy extremas".

"En la medida en que dirijo mis propios materiales me animo a ir más allá en la escritura porque confío en que ’el loco’ (por él mismo) se las va a arreglar para resolver los quilombos de esa escritura", apuntó.

Y calificó su actitud de dialéctica, por cuanto "el autor le escribe al director y le encarga la resolución de algunas cosas y, como le tiene confianza, también se anima a ir más allá de sus propios límites".

"Es una dialéctica que me ha venido bien -subrayó- y me ha permitido divertirme en esa doble función; también escribir sin la especulación de a qué director se la voy a dar para que le interese; porque el primer acto de seducción no es con el público sino con un director y con un grupo de actores".

Según Kartun, esas personas deben creer y amar ese material para llevarlo a escena: "Yo digo que es como tener hijos; no se trata de querer el hijo, la única manera es pasar por el apareo y el apareo supone un paso previo de seducción".

"Creo que en los últimos años todo esto me ha alegrado mi condición de sexagenario -festejó, y reveló que su particular uso del lenguaje anacrónico, con reflejos de los años 50, le trajo no pocos malentendidos con las generaciones más jóvenes.

Apuntó que "Ala de criados" es un compendio de expresiones idiomáticas casi olvidadas -uno de los actores no sabía lo que era un sombrero "rancho"- y que alguno que leyó la obra le sugirió que en caso de publicación le adjunte un glosario.

"No, jodete -espetó Kartun-, en el teatro a mí siempre me interesa más la música que la letra y algunas palabras tienen más que ver con su condición musical, con una forma de resonar, con algo que arma en la cabeza del espectador sin que necesariamente construya el sentido específico que esa palabra aporta." Dijo que él le da "mucha bola a la palabra; cuanto más anacrónico resulta el concepto de literatura dramática más me gusta, con más orgullo me meto a trabajar en ese campo y siento, y creo que es el campo en que trabajo no sólo con más felicidad, sino con mejor suerte", redondeó.” (agencia TELAM)

En Montevideo, en el marco de las celebraciones por el 60 aniversario de El Galpón, la institución ofrece  “La tercera parte del mar”, del argentino Alejandro Tantanián

Drama apocalíptico con tensión

"El segundo Ángel tocó la trompeta, y algo como un gran monte ardiendo en fuego, fue precipitado en el mar. La tercera parte del mar se convirtió en sangre, murió la tercera parte de los seres vivientes que estaban en el mar y la tercera parte de las naves fue destruida”
Apocalipsis 8:8

De onirismo y terror es la propuesta con la que el uruguayo Gerardo Begérez desembarca en la Sala Cero del Teatro El Galpón después de haberla representado con buenas repercusiones en el Abasto Social Club de Buenos Aires.

La obra de Alejandro Tantanián ya es conocida en Montevideo pues estuvo en cartel durante el 2007, dirigida también por Begérez aunque en esa ocasión con actores uruguayos, sus compañeros Soledad Frugone y Pablo Pípolo.

El texto, perteneciente a la corriente de la Nueva Dramaturgia Argentina, cuenta una historia que transcurre en una noche, cuando Rodrigo llega a un lugar desconocido y oscuro tras un accidente automovilístico. Allí se encuentra con una mujer perturbada por un secreto.

Lo que a Begérez entusiasmó de la obra desde un comienzo fue “cómo combina Tantanián lo sórdido de la mente humana con la poesía más sublime”.

“Es bastante sencilla en un principio y se empieza a complejizar cada vez más hasta llegar a lugares insospechados. El espectador dice, bueno abro esta puerta y  voy por acá y en determinado momento te preguntas ‘¿y ahora hacia dónde me llevan’? contó su director.  De hecho, de eso se trata realmente el texto: de que “el mundo es totalmente inhabitable y no hay salida” reconoció Begérez sobre la intención del autor. “La obra es totalmente apocalíptica, lo que van a ir a ver es un drama, una gran cuota de tensión y suspenso que roza la tragedia”, dijo.  Sin embargo, admitió haber intentado construir en su puesta en escena una posibilidad de escape a la “puerta de Tantanián”: “siempre está la visión del director. Más allá de lo que el texto te diga que tenés que hacer o tenés que decir” se disculpó.

Etiquetado dentro de la Nueva Dramaturgia Argentina, Alejandro Tantanián, es una de las voces más destacadas del teatro rioplatense.  Es además un artista polifacético (cantante, actor, director, dramaturgo y traductor). Algunas de sus obras publicadas son "Juegos de Damas Crueles", "Un cuento alemán", "Ensayo sobre la peste", "La escala humana", "Sumario de la muerte de Kleist", "Muñequita o juremos con gloria morir y otros textos" y "Foollyk: Teatro I". Sus piezas han sido traducidas al inglés, francés y alemán. Como autor ha sido representado en Uruguay, Francia, España, Bélgica, Austria y Alemania.   

La puerta de Begérez

Gerardo Begérez hace un año que vive en Buenos Aires. Cuando partió sus compañeros de casi una década en el Teatro El Galpón, lo obligaron a comprometerse con que en breve volvería para seguir trabajando con ellos. Y cumplió. No sólo porque se presentará lunes y martes con “La tercera parte del mar”; sino porque mantuvo los lazos al punto de que llevó a algunos de sus antiguos camaradas a presentarse en la vecina orilla. Fue a través de un ciclo de teatro semimontado que tuvo su primera parte en el mes de agosto y finalizó el lunes pasado.

Allí se trabajó sobre las obras de los uruguayos Ricardo Prieto (“El agua y el aceite”) y Álvaro Ahunchain (“El Estado del Alma”). Bejérez ya había tenido una experiencia con el semi-montaje cuando estaba en el Galpón y había dirigido una obra de Gabriel Calderón. “Tenía ganas de seguir investigando en ver qué es eso del semi-montaje que es algo que se hace mucho en Europa pero ni en Buenos Aires ni en Montevideo tenemos muy claro cómo es. De hecho, en este momento no lo tengo muy claro”, reconoció.

“Es un concepto que me inventé yo mismo. Es algo que está a mitad de camino entre el montaje definitivo del espectáculo y el teatro leído. No es ni una cosa ni la otra. Nosotros ensayamos como si estuviésemos montando una obra profesionalmente pero con la única variable de que lo hacemos en una semana. Eso te permite que se trabaje muy intensamente y los resultados son sorprendentes por el vértigo que genera en los actores”, contó (El Espectador.com)

El juez y dramaturgo zapalino Hugo Saccoccia llegó a  Buenos Aires, con "Las González", dirigida por Néstor Romero

"¿Quién lo conoce a Saccoccia?"

“En el Teatro del Pueblo, se estrenó para la prensa la comedia de dramaturgo zapalino Hugo Saccoccia, "Las González", sobre el deseo y la sexualidad en mujeres mayores y su derecho a vivir sin prejuicios ni mandatos. El elenco integrado por Catalina Speroni, Ana María Castel, Cecilia Cenci y Angela Ragno corporiza esta obra homenaje dirigida por Néstor Romero.

1998 en una pequeña ciudad. Una mujer se encarama en el deseo de todas, hace añicos los códigos de convivencia social para espanto de pueblerinas y familiares de un autoritarismo ancestral y otra historia comienza a gestarse.

Saccoccia, fundador de la Biblioteca Teatral Hueney de Zapala, además de autor también de "Humo de leña verde", viajó a Buenos Aires para el estreno de "Las González" y posteriormente charló con "Río Negro".

Primera lectura de su obra en otro medio, lejos de casa. "El elenco es de primer nivel, las cuatro actrices están muy bien en un trabajo hermosísimo. Abordan con eficacia el humor que la pieza tiene, la gente se rió mucho, se enganchó con la historia. La realización me sorprendió porque es una comedia del grotesco pero toca momentos kitsch, otros esperpénticos, y lo hace muy bien. Son gente con muchísimo oficio. El aplauso final fue emocionante, sostenido, muy lindo. Después algunos periodistas, que casi nunca hacen comentarios antes de escribir sus notas, me dijeron que la habían pasado muy bien, que la pieza les había gustado.", dijo él, emocionado.

-¿Cómo ves la interpretación que el director y las actrices pusieron en escena, respecto de lo que concebiste al escribirla?
-Yo vine a la primera función con mucho miedo porque no pude ver ningún ensayo. Por un lado. Y a su vez con la sensación de que se trataba de un temor innecesario porque había gente muy profesional en el elenco, desde el director, las actrices, la música del Chango Farías Gómez. Me pesaban ambas impresiones. Obviamente, cuando se escribe una obra, casi siempre uno va llevando la puesta en la cabeza, pero esto es algo mucho más renovador que lo que yo me había imaginado al gestarla. Si bien había pensado algo que no fuera costumbrista, como los personajes son fuertes y con bastante dosis de humor, la historia transcurre en un pueblo, en casa de una familia tradicional, en un jardín de invierno? Es muy difícil abstenerse de lo que pueda tener de realista en escena. Ellos no cayeron en eso y concretaron una puesta diferente.
-¿Qué compromiso te genera que "Las González" se estrene en Buenos Aires, en lo personal, en tu desarrollo como dramaturgo?
-Es muy importante, y que además se haya estrenado en el Teatro del Pueblo donde todo autor argentino quiere estrenar porque es la primera sala independiente de toda Latinoamérica, fundada en el año 30, un espacio mítico de defensa del teatro y la dramaturgia nacional. Todo autor sueña con estar allí donde se hacen no menos de seis a ocho obras por semana, aprovechando sus dos salas. Todo eso resulta una enorme satisfacción personal, una gran alegría, qué sé yo? También implicó temor porque mi texto iba a estar expuesto ahí, ante gente entendida, teatristas, dramaturgos reconocidos como (Roberto) Tito Cossa, Bernardo Carey, (Roberto) Perinelli, Beatriz Mosquera, a quienes he admirado por años en sus textos y en sus obras.
-No es fácil para un autor del interior, en general, y de la Patagonia particularmente, llegar a Buenos Aires, ser considerado al mismo nivel que los que nombraste.
-Claro que no. Viviendo en la Capital, tenés ganas de ver teatro, mirás los títulos, los actores y el autor, y quién lo conoce a Saccoccia? (Ríe contagiosamente) Al mismo tiempo hay en cartel obras de Cossa, de Mauricio Kartun, de (Carlos) Gorostiza, de (Daniel) Veronesse, de (Javier) Daulte? No sé? ¿entendés? Posiblemente sí me ayude que la gente ve quién actúa y allí aparece este elenco de primerísimo nivel, un director de gran trayectoria como Néstor Romero que ha sido muchos años profesor de la Cátedra de Actuación y Rector del Conservatorio (Nacional) de Arte Dramático, la música del Chango? Estos nombres sí son muy atractivos como para que alguien vaya a ver "Las González", y, por ahí, al autor lo dejan hasta ver de qué se trata el producto. (Ríe nuevamente).
-Tu modestia te hace hablar de esa manera.
-Es así (sigue riendo). Es así.
-Es claramente un reconocimiento.  
-(Se pone serio) Claro, lo es. El director pasó por Zapala el año pasado, me preguntó si estaba escribiendo algo y le contesté sí, pero que era un borrador todavía. Lo leyó y me pidió una copia para hacerla en Buenos Aires. Él ha dirigido otras obras mías ("Modelos de madre para recortar y armar", 2006, por ejemplo) como final de curso en su escuela de teatro en San Telmo. Entonces pensé en eso y contento se la di. Y a los pocos meses me escribió para decirme que apuntaba más alto, que quería estrenarla en alguna buena sala con un buen elenco. Eso ocurrió. Después tuve la noticia de la elección del Teatro del Pueblo, que había puesto la obra a consideración y la habían aprobado? bueno? regalo de fin de año pasado.
-Ahora regresás a Zapala. ¿Cómo imaginás la vuelta?
-No? (suelta su risa) Algunos lo saben, otros no. Como siempre. Si alguien se entera me llamará para saludarme. Nada más. Yo llego el miércoles a la noche y el jueves tengo que estar en mi Juzgado, tengo audiencias, trabajo de sobra. Soy Juez Correccional y de Menores así que causas me sobran. En mi vida, estas cosas no me afectan porque las tomo como parte del placer de escribir y que alguien tome mis personajes, los lleve a escena y le guste y le sirva a la gente que va a ver el espectáculo. Todo lo relacionado con el teatro me apasiona, pero sólo ambiciono que le guste a la gente, que vaya y la pase bien. Si esto sucede, mas que chocho.” (Rio Negro)

Diego Capusotto, un outsider que reivindica el trabajo de su guionista, Pedro Saborido

“El actor habla del retorno de Peter Capusotto y sus videos. Serán sólo ocho capítulos, para calmar la ansiedad de los fans. “Puede gustar más o menos, pero nunca va a ser un programa deshilachado”, dice el intérprete de Bombita Rodríguez y Pomelo.
Diego Capusotto es, probablemente, el actor de moda. Desde un adolescente del interior del país hasta una señora del barrio Recoleta, hoy reconocen fácilmente a la cara visible de Peter Capusotto y sus videos, el programa que parodia la cultura rock y el mundo de la política con pulso de cirujano y que regresó a la pantalla de Canal 7 con una nueva temporada. Tal vez no recuerden su nombre, ni el del programa, mucho menos –sobre todo en tiempos de internet– el día y horario de emisión del ciclo, pero sin dudas saben que el hombre de pelo largo y look barrial es el actor detrás de personajes como Pomelo, Bombita Rodríguez, Juan Almirante Brown y tantos otros. Olvidos o desconocimientos que pueden dañar el ego de la mayoría de quienes forman parte del mundo catódico, pero que en la lógica de Capusotto es el mejor reconocimiento que el programa –ni siquiera su figura– puede tener.
Paradoja del destino: el protagonista de un programa que va a contramano del establishment televisivo, que se emite por la señal estatal, que no mide más de cuatro puntos y que limita su contenido a un género musical, hoy se ha convertido en la cara del “éxito”. Justo él, cultor del bajo perfil y amigo de la perfiferia. El programa menos pensado lo puso en el centro de la escena. Un ciclo que comenzó, junto a Pedro Saborido, el guionista y director del programa, hace un lustro en Rock & Pop TV sin vislumbrar lo que vino después. “Cuando surgió el programa, la génesis era que yo presentara videos musicales. Me interesaba presentar videos de bandas como Humble Pie, que veía en la época de la dictadura. Casi como desde un lugar melómano. Y a partir de esa idea nos empezamos a conectar con lo actoral y con personajes que nosotros mismos hemos sido en nuestra vida de ‘rockeros’, o conocimos, y que hoy también pululan”, cuenta el actor que este año mostró credenciales que trascienden al medio televisivo en Lucy en el cielo con Capusottos, el ciclo de radio que se emitió por la Rock & Pop y que es sensación en YouTube.
–Desde esa idea chiquita para la señal de cable musical al fenómeno actual hay una distancia muy grande de repercusión. ¿Hasta qué punto no dudaron en seguir con el ciclo otro año?
–Nunca tenemos muy claro qué hacer. Hay algo neurótico en no- sotros, que es esto de manotear en el vacío. Siempre pensamos que las ideas se nos acabaron. Por eso también dejamos pasar tanto tiempo entre un programa y otro. La elección de hacer este año ocho programas no es una pose snob, sino que creemos que es la medida justa para mantener el control del programa y salga todo mejor. Y para nosotros que el programa salga mejor significa hacer el ciclo desde lo celebratorio, más que por la justificación del éxito. No nos queremos atar a ninguna estructura que nos condicione o nos limite. De hecho, tal vez el año que viene hacemos cuatro programas, o dos especiales. O directamente no lo hacemos. No queremos deshilachar el programa. Nos interesa seguir celebrando lo que producimos.
–Una lógica que va por fuera de la que impera en la televisión.
–Nosotros estamos fuera de la lógica televisiva. Es nuestra elección. De todas maneras, por el sólo hecho de trabajar en los medios ya no pertenecemos a ningún lugar marginal, periférico. Por eso estamos en un canal donde nadie nos dice que tenemos que hacer 30 programas por año porque es un éxito. En otro canal podríamos estar, pero tendríamos muchas charlas con los directivos previas a la salida al aire, cosa que no nos interesa. No por soberbia, sino porque creemos que las cosas más genuinas tienen que definirse en un ámbito más cerrado, que no es otro que el que incluye a aquellos que hacemos el programa. El equipo tiene una pertenencia con el programa que no pasa en la TV, donde todo es más industrial, se marca tarjeta y se busca la eficacia. Es como un restaurante que va sacando papas fritas y como se venden no cambia el aceite y las papas terminan siendo una mierda. Nosotros preferimos hacer un par de platitos que sabemos hacer bien.
–¿Pero inconscientemente no los condicionó el hecho de que el año pasado el programa funcionó muy bien?
–El programa genera una alianza afectiva con el público. Y ahora se generó como una expectativa. No son muchos los programas de la TV que la gente espera. Tal vez a Tinelli o Susana, aunque en diferentes aspectos. Peter... tiene un recorrido que permite que la gente no esté especulando cuándo sale o cómo sale, sino que trasciende hasta la lógica del horario: los fragmentos del programa circulan por la web, en YouTube, tiene una vida propia, independiente del funcionamiento televisivo.
–¿Es casualidad que eso mismo haya pasado con Cha Cha Cha o Todo por dos pesos, ciclos de los que usted formó parte?
–Es que Cha Cha Cha, Todo por dos pesos, Peter Capusotto y Lucy en el cielo con Capusottos son parte de un mismo relato, en cuatro formas de hacerlo diferente, si se quiere. Es un relato que tiene una idea común, la parodia, la desmitificación de lo instituido. Es un relato que no tiene dueño, tiene dueños, que son todos los que hicieron esos programas. Y no-sotros quisimos seguir en esa línea: si vamos a estar en la TV queremos hacer esto. Si no, hacemos otra cosa en otro medio. En algún momento, después de Cha Cha Cha, me llamaron para hacer programas que yo jamás vería como espectador, y los hice. Hoy no los haría.
–¿Por qué?
–Porque en aquel momento sentía que había perdido algo con el fin de Cha Cha Cha: había una cosa de que yo por primera vez empezaba a vivir de la profesión. Entonces, había una especulación ligada a que la TV era mi medio de vida. No pensaba que podía hacer otras cosas además de televisión. Hoy no lo pienso de esa manera. No relaciono Peter Capusotto con un hecho de supervivencia. Es supervivencia desde el lado emotivo.
–Cuando irrumpieron De la cabeza y Cha Cha Cha apareció un lenguaje humorístico nuevo en la TV. ¿El tiempo hizo que ese tipo de humor se consolidara en la TV?
–Fue la aparición de un lenguaje que había aparecido ya con Telecataplum en los sesenta, pero que durante treinta años había desaparecido de la TV, que se había limitado a un lenguaje habitual y en un formato conocido. La estética del zapping, esa especie de fugacidad del control remoto, y la compulsión por mirar todo junto, era resignificado por De la cabeza, y luego por Cha Cha Cha, que puso en la pantalla un humor que era digerible para la gente que no era televidente habitual.
–¿Qué cambió de aquellos programas que tienen lazos en común con Peter Capusotto y sus videos? ¿Cómo se desarrolló ese humor que era marginal y paulatinamente fue copando la pantalla?
–A partir de Todo por dos pesos empezamos a trabajar con ideas que estaban claras de antemano y en donde cada segmento estaba guionado, lo que ordenó la cuestión caótica relacionada con lo creativo. En Cha Cha Cha se laburaba de un modo muy particular, al punto de que hoy tengo la sensación de que no podría trabajar como lo hacíamos en aquella época. Lo cual es muy loco, porque en algún punto hoy tengo más roce televisivo que entonces. En Cha Cha Cha había consignas sueltas, pero carecíamos de guión. Un ejemplo: un día estábamos reunidos y comenté que estaría bueno hacer un sketch con astronautas argentinos que iban a la Luna, pero no sabía bien a qué. Y el gordo (Alfredo) Casero dijo que iban a “fumarse un sorete”. Y lo hicimos, pero sin guión alguno: improvisábamos a partir de la idea de que iban a la Luna y les pasaban cosas. No había una línea argumental. Por un lado, era muy genuino, pero por otro era un desbande.
–¿El apego al guión paródico hizo que la gente terminara de digerir mejor el humor?
–Puede ser. También surgieron nuevos medios que permitieron que circulara todo tipo de humor. Ya hay una generación que creció con Internet y el cable. Todo por dos pesos tenía, de todas maneras, una mirada más lineal que De la cabeza o Cha Cha Cha, porque era como una gran parodia a los medios de comunicación. Todo por dos pesos marcó un quiebre. No es que nos comenzamos a convertir en un programa más estructurado, sino que comenzamos a tener un guionista como Pedro Saborido, que supo canalizar en un guión el caos creativo sin perder gracia ni creatividad. Y Peter Capusotto y sus videos fue mejorando porque, justamente, nosotros tenemos el control. En Todo por dos pesos o Cha Cha Cha, lo que pasó fue la lógica de que algo que es muy brillante, después cae. Con Peter... puede pasar, pero es más probable que ocurra si estamos de marzo a noviembre. En la medida en que uno se rinda a la lógica televisiva, cagó. Peter Capusotto puede gustar más o menos, pero nunca va a ser un programa deshilachado. No es una morcilla que mete capítulos con lógica industrial. “ ( Pagina 12)