“ Con un buen guión puedes hacer una película buena o una película mala. Con un mal guión sólo tendrás películas malas”

Akira Kurosawa (director de cine japonés, 1910/1988)

La entidad 

Organizado por Metrovías y Argentores

Concurso literario "Monólogos Teatrales”

  

Como parte del Programa de Gestión Cultural SubteVive, Metrovías anunció el lanzamiento de un nuevo certamen.En esta oportunidad se trata del concurso literario "Monólogos Teatrales", organizado en conjunto con Argentores, (Sociedad General de Autores de la Argentina).

Los participantes, autores argentinos o residentes en el país, mayores de 18 años, deberán enviar a partir del 16 de enero y hasta el 16 de marzo de 2009, sus obras en un máximo de tres carillas. Los ganadores se conocerán el 12 de mayo en el Anexo de Argentores , Montevideo 696 (Comisión de Cultura).

Los tres primeros puestos serán premiados en efectivo por un valor de 4 mil, 3 mil y 2 mil pesos respectivamente. El jurado está integrado por los dramaturgos Lucia Laragione, Luis Saez, Máximo Soto y Susana Torres Molina. También formará parte de la elección de las obras ganadoras Juan José "Pepe" Romero, Jefe de Gestión Cultural de Metrovías. Para mayor información, visitar www.metrovias.com.ar

El Consejo Profesional de Radio lo recuerda

5to. Concurso de ficción en radio “Radioteatro para aplaudir”

Comienzo: 1º de noviembre de 2008
Finaliza: 28 de febrero de 2009
Dictamen jurado: 31 de marzo de 2009
Bases:
Concurso abierto para socios y no socios de todo el país. Capital y provincias.

1. Tema y género libre: (comedia, drama, suspenso, sainete).Una obra por autor
2. Personajes: relator y hasta 5 personajes.
3. Presentar data con carátula con reparto de personajes; nombre, edad aproximada, características  e interrelaciones entres ellos. 
4. Libreto unitario, formato radio: relator, sonidos, música, duración: 1 hora, cuerpo a4 formato arial 14, dos espacios, por triplicado copiada en disquette incluido (imprescindible)
5. Los libretos serán entregados en Argentores de 13.00 a 18.00 horas de lunes a viernes en el Consejo de Radio o enviados por correo.
6. En los sobres debe figurar “5to.concurso de radioteatro para aplaudir”- Consejo de Radio.    En su interior adjuntar sobre cerrado, con título de la obra y seudónimo del autor, dirección, teléfono, email y currículum.
7. Los unitarios premiados serán representados en el auditorium Gregorio de Laferrere (Argentores) por actores profesionales , con publico presente a partir de abril de 2009. Los autores deberán registrar sus   obras en Propiedad Intelectual. 
8. El jurado no aceptará obras que no respeten todos los  puntos de las bases.

Primera función:  sábado 11 de abril de 2009

“La cocina de los dramaturgos” /  temporada humor 2009/para socios y autores no socios   
 

1. Monólogo o diálogo para actor y actriz.
2. 2.   Duración: 10 minutos, a 2 espacios, tipo arial 14, papel a4 (hasta 6 carillas, tres ejemplares firmados por el autor con  datos completos: teléfono, email, domicilio y breve currícula. Se reciben personalmente en Argentores, Consejo Profesional de Radio, de lunes a viernes de 13,00 a 18,00. Adjuntar cd y/o disquette). Los textos pueden enviarse además a adesorrentino@fibertel.com.ar y babquintela@sion.com
3.  Los actores serán elegidos por los coordinadores.  Si alguno de los autores seleccionados desea dirigir u orientar a los actores con su texto podrá hacerlo. Caso contrario algunos de los organizadores del evento quedarán a cargo de esa función acordando el ensayo. Los textos serán seleccionados por los coordinadores (5 textos por cena).
4. Cada autor elegido debe comprometerse a vender para la cocina de los dramaturgos (cena y espectáculo) un mínimo de 8 entradas, siendo sin cargo la entrada del autor.
5. “La cocina de los dramaturgos” tiene tradicionalmente la propuesta de que los autores elegidos sean los encargados de atender a los invitados.
6. A partir de 2009 los autores seleccionados percibirán derechos de autor por sus textos y además serán publicados oportunamente en la 3ra. edición de “La cocina de los dramaturgos”.
7. “La cocina de los dramaturgos” se realiza los segundos sábados de cada mes. Primera función:  sábado 11 de abril de 2009 a las 20,30 horas, en el restaurante de Argentores, Pacheco de Melo 1820.
8. Los comensales pueden reservar desde marzo de 2009 su mesa a:
   Maria Elena Armentano al 4812-4518,4811-2582,4813-1227  (Consejo de Radio o a marmentano@argentores org.ar) y al teléfono 4551-0014, o a la autora Adela Sorrentino, adesorrentino@fibertel.com.ar

 El país

“La piel”, obra del autor neuquino, publicada

Alejandro Finzi, editado en francés   

“La obra "La piel", del dramaturgo neuquino Alejandro Finzi, fue publicada en francés por la editorial L´ Harmattan.  

El libro integra una colección junto con reconocidos autores como Augusto Roa Bastos y José Martí y las obras fueron seleccionadas por el comité de lectura de la colección "L´Autre Amérique" de la editorial, ya mencionada, L´Harmattan. “La piel”  lleva el título "La peu ou la vie alternative du complement", con la traducción de Denise Delprat.

La obra habla de la levedad de la vida a partir de una historia de amor. Pero no lo hace desde el ciclo de la eterna juventud de Romeo y Julieta, sino desde el territorio de la vejez, la soledad y la enfermedad. "Esta historia -escribió Finzi- comenzó hace diez años, en el subte de Bruselas, una mañanita gris de esas que asoman por los cuadros de Constantin Meunier: una viejita leía un libro y yo metía la nariz de puro curioso, nomás. Entonces hablamos lo que duró el viaje...".

Este encuentro fugaz detonó la historia de amor entre Walter y Ana, los protagonistas de "La Piel". Ellos están en una habitación de hospital esperando que operen a Walter (especialista y estudioso de los patos) y en esa espera recuperan toda su vida. "Es una pieza muy autobiográfica que además está escrita desde esa zona del silencio, porque entre una pareja de muchos años una mirada, un gesto, todo se comparte", reveló el autor de "Viejos hospitales", "Molino rojo", "La isla del fin de siglo", "Chaneton en la Patagonia", entre otros.

“La piel” se estrenó en Aix en Province, Francia, con puesta de Ursula Meyer en el 2000. Más tarde fue presentada en París por el Théâtre Hibou y también en Goiana, Brasil. En Argentina subió a tablas en el 2003 con puesta y dirección de Enrique Dacal y el protagónico de Laura Bove y Julio Ordano. Por entonces, Dacal escribió: "Es un texto perturbador que merece la experiencia de ser irradiado en el escenario y tentar, entonces, sus posibilidades de activar el imaginario del espectador".

En Neuquén se presentó como lectura dramatizada en los actos de celebración de la los 20 años de la UNC, con la actuación de Alicia Villaverde, Darío Altomaro y Rolando Juan de Dios. El texto, además, fue premiado en el 2004 por Argentores. Así "La piel" sigue sorprendiendo a su autor, pero sobre todo, emocionándolo.”

Fuente: Río Negro on line

Objetivo: premiar un guión de largometraje de ficción para su posible y posterior producción cinematográfica, realización y distribución nacional e internacional

Primer Concurso de Guiones Cinematográficos Peluca Films

En el marco del 23º Festival Internacional de Cine de Mar de Plata, Peluca Films organiza su primer concurso de guiones.

Peluca Films tiene como premisa impulsar y fomentar el crecimiento de autores y directores de cine.

Objetivo: premiar un guión de largometraje de ficción para su posible y posterior producción cinematográfica, realización y distribución nacional e internacional.

Temática: libre. No se permiten adaptaciones.

Premio: $ 30.000

Dirigido a: guionistas o equipos de guionistas argentinos o extranjeros, con residencia permanente en Argentina.

Bases: deberán presentarse 5 ejemplares de cada obra, escritos en español, en papel A4 y anillados.

Cada ejemplar deberá incluír storyline de 20 líneas como máximo, sinopsis de máximo 3 carillas, carta de motivación del guionista y guión cinematográfico de largometraje de longitud media (de 90 a 130 páginas).

Los guiones deben mandarse a:

Peluca Films / Av. Congreso 3541, 1430AZE, Buenos Aires, Argentina.
Plazo: 30 de marzo de 2009

El ganador se dará a conocer dentro del marco del Festival de Mar de Plata.
Todas las bases en: http://web.pelucafilms.com/Esp/concurso/BASES_CONCURSO_9-11b.pdf

Páginas Web: http://www.mardelplatafilmfest.com  /  www.pelucafilms.com

Obra de Daniel Dalmaroni se ofrecerá en Madrid

Autor argentino, de estreno en España

La obra "Maté a un tipo", del dramaturgo argentino Daniel Dalmaroni, se estrena el próximo 31 de enero en la ciudad de Madrid, España, bajo la dirección de Juan Codina y con las actuaciones de Sergio Pazos y Tonino (los actores-reporteros del "CQC" español) y Aisha Wizuete y Anais Yebra.

La obra es responsabilidad de "Bambalinas asesinas" y "Lozano & Bonilla S.L.", productora y distribuidora españolas, respectivamente.

 "Maté a un tipo" cuenta con más de 15 versiones en Argentina, entre las que cabe destacar la puesta de Justo Gisbert en Capital Federal; la de Diego Aroza en La Plata y la de Juan Carlos Stebelsky en Mar del Plata. Justamente en esa ciudad balnearia, Daniel Dalmaroni obtuvo el premio "Estrella de Mar-Argentores" en 2008 por este texto. "Maté a un tipo" está programada, además, para la temporada 2009 en Paraguay y Uruguay.

El material se recibirá entre el 1º de febrero y el 1º de marzo de 2009

Convocatoria para Dramaturgos: proyecto de investigación y dramaturgia para adolescentes “Patios del Recreo en Iberoamérica”

La Asociación de Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes (ATINA) convoca a los dramaturgos iberoamericanos a participar del Proyecto de Investigación y Dramaturgia para Adolescentes “Patios del Recreo en Iberoamérica”. Se trata de un proyecto interdisciplinario (dramaturgia, dirección, puesta en escena, fotografía, multimedia) que trata sobre los “patios del recreo” de las escuelas secundarias de hoy y de todos los tiempos, abordando la temática adolescente a partir de trabajos previos de investigación de campo en las escuelas de nivel medio de los distintos países iberoamericanos.

Se podrán presentar creaciones dramatúrgicas de cualquier género escénico surgidas como resultado de un trabajo de investigación de campo previamente realizado en las escuelas medias. El material se recibirá entre el 1º de febrero y el 1º de marzo de 2009.

Origen y desarrollo del proyecto

Este proyecto nace en Europa a partir de la necesidad de encontrar una respuesta temática y estilística para una franja de público particularmente reacia al teatro. Se trata de los jóvenes de entre 14 y 18 años. Para esta franja hay una muy escasa producción teatral. Pocos autores se dedican a ello y pocos grupos desarrollan un trabajo continuado. Conscientes de esto, se puso en marcha en el año 1999 el proyecto europeo “Patios del recreo”. Siete compañías de diferentes países encomendaron a autores nacionales textos acerca de esta problemática, que fueron naciendo en los patios de los recreos, en diálogo con los jóvenes, y cobraron madurez y forma en los escritorios de los autores. Un importante intercambio se produjo también a nivel de los directores de teatro, los pedagogos teatrales, así como maestros de escuela. Esta rica experiencia que dejó textos para varias horas de teatro en diferentes idiomas, unas 20 puestas en escena, talleres, encuentros, etc., es la fuente de inspiración para este proyecto en Iberoamérica.

Actualmente se desarrolla en Europa un nuevo proyecto “Patios del Recreo” bajo el nombre “Platform 11+” con la participación de 11 países Europeos. El proyecto Europeo y el proyecto Iberoamericano se llevan a cabo en forma paralela y están conectados entre sí. La convocatoria para dramaturgos es el primer paso de este proyecto de cooperación Iberoamericana.

Convocatoria

1) La convocatoria es para creaciones dramatúrgicas de no más de 20 minutos de duración dentro de cualquier género escénico (teatro de texto, obras coreográficas, canciones, poesías, teatro de imagen, etc.) basadas en situaciones del patio del recreo de la escuela secundaria.

2) Las obras deberán surgir como resultado de un trabajo de investigación de campo previamente realizado en las escuelas medias (alumnos entre13 y 18 años) que podrá basarse en entrevistas y/u observaciones con registro escrito y/o audiovisual (fotos, videos, grabaciones, dibujos, etc.). En el mismo se podrá incluir a todos los miembros de la comunidad educativa que quieran compartir sus experiencias presentes o pasadas en los patios del recreo.

3) ATINA seleccionará entre 5 y 10 textos para su publicación en la antología Patios del Recreo. Teatro para Adolescentes de Argentina y la inclusión de los mismos en la antología Schoolyard Stories del proyecto “Platform 11+” de Europa. La selección estará a cargo de una comisión ad-hoc integrada por profesionales del teatro para niños y jóvenes. En una segunda etapa, los textos seleccionados formarán parte del material sobre el cuál se trabaje en el taller de directores con el objetivo de su posterior puesta en escena.

4) Al mismo tiempo se seleccionará a uno de los autores para participar en el encuentro de dramaturgos organizado por “Platform 11+” que se realizará en Berlín durante el mes de Mayo de 2009, con el objetivo de compartir las experiencias de investigación de los distintos países y de reelaborar las producciones dramatúrgicas sobre Patios del Recreo. Para poder participar en esta instancia es necesario tener un fluido manejo del idioma inglés.

5) Los interesados deberán enviar los textos por correo, impresos y en versión digital, conjuntamente con la ficha de inscripción adjunta y el material de registro obtenido durante la investigación (fotos, videos, grabaciones). Todos los géneros que incluyan movimientos, música o imágenes deberán presentar sinopsis o descripciones escritas (no sólo videos o grabaciones) para su posible posterior publicación. Las obras escritas en un idioma diferente al español deberán enviarse en su idioma original conjuntamente con su traducción al castellano.

6) El material enviado que surja de las investigaciones realizadas, sea o no seleccionado el texto dramatúrgico, formará parte de una exhibición itinerante sobre los “Patios del Recreo”.

El material se recibirá entre el 1º de febrero y el 1º de marzo de 2009 en la siguiente dirección postal:

ATINA (Patios del Recreo)
Campos Salles 2145
C1429CFC Ciudad de Buenos Aires
República Argentina

Sobre la Dramaturgia

Los autores que se aboquen a la tarea de escribir textos para el proyecto, deberán tener en cuenta que se trata de crear una obra de teatro corta (de alrededor de 20 minutos). Las obras pueden incluir, monólogos, poesías, canciones, guiones coreográficos y cualquier tipo de lenguaje susceptible de ser escenificado con la idea de reflejar la vida en ese lugar de encuentro de gentes e intereses contradictorios. Pueden ser absurdos o grotescos. Pueden ser realistas o surrealistas. La vertiente para la creación puede ser la investigación en los patios del recreo mismos, como así también los recuerdos o el escritorio. El material de campo que haya dado origen al mismo (fotos, videos, grabaciones, cartas, escritos, etc.) formará parte de la exhibición tanto como del soporte multimedia. El patio del recreo en los colegios secundarios es el lugar de las primeras experiencias amorosas, de los primeras trasgresiones, del primer contacto con los problemas sociales; de las exclusiones, los desencuentros, el desafío a la autoridad; el de buscar una identidad dentro de la masa o el ser anulado por ella. El de estar permanentemente expuesto, la negación de la intimidad, etc. Es la intención del proyecto reflejar los distintos aspectos de la vida adolescente que se manifiestan con mayor fuerza entre su grupo de pares durante el recreo en la escuela, sin por ello dejar de lado la experiencia y las vivencias de los adultos que conviven con ellos o que puedan aportar sus recuerdos de esa etapa de la vida. 

Agustín Alezzo: “el desafío sigue siendo darle vida a un texto”

Acaba de estrenar “Cena entre amigos” y de reponer la multipremiada “Rose”. El prestigioso maestro, que tiene una experiencia de cuarenta años como director, no reniega de la creación colectiva, pero define su posición: “el autor sigue siendo esencial en el teatro”.

Por Carolina Prieto

  “La casa es un verdadero remanso a pocas cuadras de la avenida Córdoba, allí donde Palermo Soho extiende sus tentáculos modernos y bulliciosos. Un silencio casi absoluto, apenas interrumpido por los ladridos de Negra y por el sonido de un reloj de pared. Un jardín verde lleno de flores y un living cálido que atrapan la mirada del visitante. Sobre una mesa ratona descansa la novela del japonés Haruki Murakami Crónica del pájaro que da cuerda al mundo. “Es fascinante, tiene una mezcla de sensualidad y violencia”, asegura el reconocido director cuyos últimos trabajos coinciden en su origen anglosajón. Es que en los últimos años, dirigió varias obras escritas en inglés. Al exitoso unipersonal Yo soy mi propia mujer, de Doug Wright, protagonizado por Julio Chávez, siguieron Otros tiempos de vivir, en base a tres obras cortas de Thornton Wilder; Rose, de Martin Sherman, en cartel en el Teatro del Nudo; y Cena entre amigos, de Donald Margulies, que viene de estrenar en su estudio-teatro El Duende. “Dirigí obras de autores alemanes, suecos, franceses, españoles pero es cierto que últimamente me volqué a la dramaturgia en lengua inglesa. Para mí es la más importante de todas. Ha dado escritores extraordinarios; el último grande que murió fue Harold Pinter”, advierte Alezzo, que trabajó con popes de la escena local como Norma Aleandro (Master Class) y Alfredo Alcón (Ricardo III), además de ser un prestigioso maestro.
  Con una experiencia vastísima que suma más de setenta montajes, Alezzo vuelve a codirigir, una aventura que sólo encaró antes junto a su maestra Hedy Crilla. Ahora lo hace con Lizardo Laphitz, con quien trabaja hace más de treinta años y comparte la dirección del estudio. “Yo conocía la obra y como él iba a dirigir y actuar, le ofrecí hacerlo juntos. En parte porque sé muy bien cómo enfoca las puestas a pesar de que tenemos personalidades muy distintas”, señala. Premiada en el 2000 con el Pullitzer al mejor drama, la pieza enfoca los cambios de dos parejas muy amigas desde el momento en que uno de los matrimonios se separa, y termina con un futuro común de amistad y entendimiento.

  –¿Cómo encararon el proyecto y qué lo sedujo del planteo de Margulies?
  –Yo dirijo en las tres escenas en las que Lizardo actúa y en las otras lo hace él. Funciona porque hay un mismo criterio, una organicidad, que hace que quien no lo sabe, no perciba las distintas manos. Lo interesante del texto es que si bien se centra en dos parejas muy amigas, propone una reflexión sobre la complejidad de las relaciones, sobre modos opuestos de encarar la vida. ¿Qué pasa cuando se producen fracturas, cuando el espejo en el que nos miramos nos devuelve una imagen inesperada? No hay buenos y malos, cada punto de vista tiene sus razones. Y tiene un humor no forzado, no hay gags que buscan un efecto sino que surge espontáneamente de las situaciones.
  Otro tipo de comicidad es el de Rose, el unipersonal en el que Beatriz Spelzini encarna a una anciana judía que padeció el Holocausto, el desarraigo y la pérdida del amor, pero que aun así conserva un espíritu jovial, entrañable, y hasta buenas dosis de humor negro. Ganadora de dos premios ACE y tres premios Clarín en dirección y actuación, la pieza ilumina el horror pero también la fortaleza de una mujer. “En este caso, el humor es una forma de abordar las zonas más duras de la existencia, como fueron el horror del nazismo y la miseria de la posguerra”, explica el teatrista, que descubrió la magia del escenario en su infancia, cuando su madre y sus tíos lo llevaban a ver obras para adultos en una época en que no existía el teatro para chicos. “Me atraía tanto lo que sucedía en escena...”, recuerda. Al salir del secundario estudió Derecho más por presión materna que por deseo propio, y en paralelo empezó su formación teatral. Ingresó a Nuevo Teatro, donde conoció a Alejandra Boero y Pedro Asquini, y finalmente dejó la facultad después de tres años de carrera para volcarse de lleno a la actuación. Se empapó de las ideas del gran maestro ruso Konstantin Stanislavsky y tomó contacto con la actriz y también maestra Hedy Crilla, de origen austríaco. Este sería el comienzo de una etapa esencial de su trayectoria, marcada por una intensa formación y por el descubrimiento de la tarea de dirección. “Ella fue mi gran maestra. Trabajamos juntos durante casi treinta años.”

  –¿Cómo fue ese vínculo?
  –Hedy tenía un ojo tremendo. Le bastaba ver actuar a alguien apenas unos minutos y ya le sacaba una radiografía y sabía por qué caminos llevarlo. Como maestra era igual, y en este sentido, no hubo hasta ahora nadie como ella. Se formó en Alemania, trabajó en París y emigró para la Argentina. Recién acá, empieza a leer a Stanislavsky y a bucear profundamente en su enfoque con toda la experiencia que ella ya traía a sus cuarenta años. Su objetivo siempre fue acercarse a la verdad del personaje y no actuar de manera externa. Por eso, para mí, el trabajo del actor es sumamente atractivo: en un punto, deja de representar para de algún modo vivir lo que le pasa al personaje. Hay en punto en el que los tantos se mezclan. Y es una forma de autoconocimiento: el actor se descubre en territorios que nunca habría imaginado. Y eso requiere coraje.

  –¿Su debut como director?
  –Hedy y Augusto Fernandes me insistieron mucho, confiados en que tenía condiciones. Me acerqué a Francisco Javier para que me sugiriera textos. Me propuso dos: La mentira, de Natalie Sarraute, y La música, de Marguerite Duras. Me puse a trabajar con los dos materiales con la idea de hacer un estreno doble. Pero cuando estaba a punto de estrenar, me di cuenta de que La música no funcionaba. Lo que veía en el escenario no era lo que yo había imaginado. Estrené sólo la pieza de Sarraute. Fue en el Teatro Payró, en 1968.

  –¿Y cómo le fue?
  –Era un texto extraño, con un planteo nada realista que buceaba en el subconsciente de los personajes. Yo producía el espectáculo y quedé lleno de deudas. No nos fue bien a nivel del público, pero sinceramente creo que fue mi mejor trabajo hasta hoy.
  Al poco tiempo la suerte cambiaría con Ejecución, espectáculo devenido en suceso que estrenó también el Payró y que hizo que Alcón lo llamara para trabajar juntos. Lo dirigió en Romance de lobos, de Valle Inclán. Desde ese momento no paró: hubo años en que estrenó hasta tres o cuatro títulos consecutivos. ¿Una constante? Su inclinación por el teatro de texto. “No sabría cómo hacer otra cosa. Además pienso que el autor es esencial en el teatro, que no se lo puede reemplazar, sin por ello despreciar la creación colectiva que dio experiencias teatrales muy significativas. Pero así y todo, creo que adolecen de la ausencia de un buen autor, de su pensamiento, de su forma de expresarlo. Para mí, los actores actúan pero no son autores”, aclara.

  –¿A esta altura maneja un método para dirigir?
  –Cada proyecto tiene sus particularidades. No tengo una manera única de encarar cada obra, pero hay dos elementos que me ayudan a determinar la forma de hacerlo: el material dramático en sí mismo y el elenco. Yo intento adaptarme a los actores, siempre sabiendo a dónde quiero llegar. Los caminos pueden ser muchos. Nunca fuerzo a los intérpretes a trabajar de determinada manera. Obviamente no es lo mismo hacerlo con actores jóvenes que con Aleandro, Alcón o Chávez. Pero siempre el desafío es dar vida a un texto. Y en general me gusta trabajar durante tres o cuatro meses para preparar bien una obra.

  –Hoy pareciera que cualquiera puede actuar, que el teatro sería –en relación con las demás artes– la que menos formación y disciplina requiere. ¿Por qué?
  –Y ahí salen las cosas. La televisión tiene mucho que ver, privilegiando las caras y los físicos.

  –¿Qué proyectos le gustaría abordar en un futuro?
  –Hay varias obras que me interesan mucho, tengo un par de ideas para este año pero aún nada concreto. Encarar una obra es siempre una aventura, nunca sabés qué va a pasar. La verdad, prefiero guardar silencio.”
  Extraído de Página 12

Panorama internacional

Para el autor español Joseph Flotats la palabra es el alma del teatro. Lo demuestra en “El encuentro de Descartes con Pascal joven”, una obra para pensar y sentir

“Suena a paradoja, pero las nuevas tecnologías favorecen el renacimiento del teatro"

“Josep Maria Flotats lo ha sido todo en el mundo del teatro, pero recién cumplidos 70 años no ha perdido ni un ápice de su ilusión y de su pasión por la escena. Mantiene una fogosidad cuando habla de su trabajo y los ojos le brillan a través de sus gafas cuando defiende el teatro de autor, el teatro de ideas. En un descanso de los ensayos de El encuentro de Descartes con Pascal joven, en una sala casi vacía del teatro Español, de Madrid, en una tarde gélida, Flotats argumenta así de rotundo sobre la obra de Jean-Claude Brisville que estrenará el próximo jueves, día 22. "El teatro de texto, de ideas, es el que me gusta. En realidad, es el teatro con mayúsculas, con contenido y estilo. La astucia de Brisville en esta obra, al igual que en La cena, pasa por unir a personajes históricos en una situación determinada y hacerles hablar de un modo próximo, como personajes de carne y hueso y no como intelectuales pomposos y ficticios".

La cena fue un clamoroso éxito de público y de crítica y descubrió a los aficionados españoles el talento de Brisville, un octogenario dramaturgo francés y antiguo editor, que planteó un diálogo teatral entre el cínico político Talleyrand y el despiadado policía Fouchet en la Francia posterior a la Revolución. Con el mismo esquema de dos únicos personajes y un ágil debate de ideas y visiones del mundo como telón de fondo, el montaje que ensaya Flotats recrea una entrevista que mantuvieron en 1647 un ya consagrado pensador como René Descartes (La Haye en Touraine, 1596-Estocolmo, 1650) y un genio prometedor de las matemáticas y la filosofía como Blaise Pascal (Clermont Ferrand, 1623-París, 1662). En La cena era Carmelo Gómez (Fouchet) quien daba la réplica a Flotats (Talleyrand) mientras aquí es el joven actor catalán Albert Triola -que confiesa que le ha tocado la lotería con ese papel- quien encarna al inventor de las calculadoras.

El encuentro entre ambos sabios", explica el director, "se celebró en un convento de París, donde solía alojarse Descartes cuando recalaba en la capital francesa, a instancias de Pascal, que deseaba conocer a uno de los grandes filósofos de la época. Nada trascendió de la entrevista, que duró varias horas, salvo algunos pequeños detalles que aparecen en las correspondencias por separado de Descartes y de Pascal. A partir de estos mimbres, Brisville imaginó este pulso teatral que muestra la fascinación mutua entre ambos personajes y la rabiosa actualidad de los temas que se supone abordaron y que recorren discusiones sobre la censura, el poder de la Iglesia, el choque entre la fe y la razón, los derechos del hombre, los límites entre el bien y el mal o la justificación de los medios por el fin que se pretende conseguir. O sea, como podemos apreciar, se trata de unos debates que están hoy encima de la mesa a propósito de la invasión israelí de Gaza, sin ir más lejos". Intenta comprender a Descartes y rebate críticas que se vertieron contra el autor del Discurso del método por su falta de valentía contra la Iglesia católica de alguien que sostuvo que la existencia del alma no era demostrable. "En el siglo XVII", dice, "podías acabar fácilmente en la hoguera de la Inquisición si te atrevías a cuestionar con firmeza los dogmas católicos y René Descartes, desde luego, no quiso ser un mártir. No cabe olvidar tampoco, como muestra la obra, que el filósofo racionalista vivió buena parte de su vida en Amsterdam, que pasaba por ser la ciudad más libre y tolerante de aquella época".

Con el paso de los años, Josep Maria Flotats, que se ha dejado crecer una larga melena lacia y una barba blanca para encarnar a René Descartes, aspira a controlar todo el proceso teatral y, por ello, ha producido, dirigido e interpretado sus últimos espectáculos. "Si me equivoco", señala, "yo seré el único responsable. Por eso deseo controlarlo todo, para gozar de una cierta tranquilidad de espíritu. De este modo, puedo permitirme aplazar un proyecto, volcarme en otro montaje distinto al previsto... En fin, soy el dueño de mí mismo y no tengo que rendir cuentas a nadie". Apenas cuatro personas (dos actores y dos técnicos) integran el equipo necesario para representar El encuentro entre Descartes y Pascal joven, de tal manera que el montaje podrá ser trasladado a muchas ciudades y pueblos de España, como pretende Flotats. Dos trajes del siglo XVII, un mobiliario sencillo de época y una austera iluminación componen los pertrechos necesarios para una gira que ya está en parte apalabrada antes del estreno

Cuando decidí fundar mi pequeña productora privada", recuerda, "supe que debía abordar la tarea con mucha modestia y con mucho realismo". Esta apuesta por el teatro privado no significa, de ninguna forma, que Flotats reniegue de sus largos años en el sector público, tanto en Francia como en España. "Estoy formado en el teatro público y lo defenderé siempre. Gracias a ese teatro aprendí el oficio, de Molière a Pirandello o de Pinter a Shakespeare". A su juicio, sólo el sector público puede garantizar la pervivencia de una compañía y la creación de un estilo. "Y para ello no hace falta que los actores sean siempre los mismos, ni mucho menos que sean funcionarios", matiza. A pesar de su fama de rebelde, que le ha perseguido en algunas etapas, este actor capaz de interpretar con idéntica soltura en castellano, francés y catalán, ha obtenido los premios más cotizados en su profesión que van desde Caballero de la Legión de Honor francesa a Medalla de Oro al Mérito a las Bellas Artes en España o la Creu de Sant Jordi de Cataluña.

En los últimos tiempos, a contracorriente de las crisis económicas, las salas de teatro se llenan de un público muy variopinto en las ciudades españolas. Desde los musicales al estilo de Broadway a los autores contemporáneos de culto, desde clásicos como Calderón o Lope de Vega a comedias modernas, el teatro atraviesa un momento dulce que ya no parece un fenómeno pasajero, sino más bien una tendencia cultural. Las buenas cifras cantan y el sector, tradicionalmente pesimista, no oculta su alegría. Además la efervescencia teatral ya no se limita a Madrid y Barcelona, como ocurrió durante décadas, sino que se extiende a ciudades como Valencia, Sevilla, Bilbao o Santiago de Compostela. Por no hablar de la proliferación de festivales de verano. Desde una dilatada trayectoria -en Francia desde los años sesenta hasta 1984 y en España desde esa fecha-, Josep Maria Flotats manifiesta una opinión sociológica, que comparten muchos de sus colegas.

"El cine exhibido en las salas se encuentra en decadencia, pierde espectadores, porque las nuevas tecnologías permiten que veas las películas en casa con más comodidad, sin agobios y sin tener que preocuparte de aparcar el coche. De la televisión, mejor no hablar, porque te ofrece miles de canales y de programas, pero la inmensa mayoría de ellos son muy malos. Con ese panorama, los aficionados a la cultura han recuperado el teatro por su contacto directo, para ver a actores de carne y hueso, para asistir a esa magia de un buen texto y bien interpretado. El contacto humano de una manifestación artística imprevisible y única, donde cada función puede ser distinta, atrapa cada vez a más gente. Muchos espectadores están cansados de arte enlatado y quieren ver algo vivo, quieren ver la vida, en definitiva. Cada vez escucho a más gente que sale de una función de teatro y comenta que se alegra de haber visto un espectáculo inteligente y de calidad. Suena a paradoja, pero las nuevas tecnologías favorecen el renacimiento del teatro".

Extraído de El País

La exitosa y reveladora tira Lalola fue vendida recientemente a Escandinavia y es sólo otro ejemplo de una tendencia que crece en la producción televisiva nacional: la exportación de formatos y contenidos

Made in Argentina

Los Roldán convertidos en Sánchez y mexicanos, Luisana Lopilato hablando en hebreo o Mario Pergolini hecho mujer.

Todo es posible gracias al verdadero boom que vive la televisón: la exportación de enlatados y formatos a países europeos, latinoamericanos, Medio Oriente y de América del Norte. La actividad empezó a desarrollarse en los ‘90, pero el crecimiento explosivo se dio en 2002 con la salida de la convertibilidad.

Se exportan alrededor de 40 mil horas anuales de programación, de los cuales el 30% corresponde a “latas” (ciclos terminados y emitidos en Argentina), el 40% a la venta de formatos y el 30 restante a contenidos de producción propia para canales extranjeros. Aproximadamente el 43 por ciento de la exportación va a países de América del Sur y de América Central. Por lo general, se trata de productos enlatados.
Europa del Este consume cifras que se acercan al 42 por ciento del total de ciclos de ficción que se exportan desde nuestro país y los programas van subtitulados o doblados al idioma local. EEUU y Canadá, por su parte, implican un 3 por ciento de las exportaciones.

La explicación de por qué los volúmenes de negocio no se estancaron con la crisis y siguen aumentando es que en el proceso durante el cual en el extranjero probaron la calidad de nuestros servicios, la capa-
citación de nuestra gente y los recursos tecnológicos. Por eso hoy más de 80 países transmiten contenidos televisivos que se generan en la Argentina.

Por un lado están los enlatados que se han vendido o se están vendiendo, entre los que podemos encontrar productos como Patito Feo, El Deseo, Resistiré, Los Roldán, Disputas, Tumberos, Sol negro, Rebelde Way, Rincón de luz, Mil millones, Abre tus ojos, Kachorra, Provócame, Jesús, el heredero, Padre Coraje, Floricienta, Historias de sexo de gente común, entre otros, que llegan hasta lugares como Macedonia, Francia o Kazakhstán, en Asia. Telefe Internacional es líder en distribución de contenidos televisivos argentinos en otros países, y el tercero de América latina.

Y además distribuye contenidos realizados por otras productoras como RGB, Ideas del Sur o Endemol.

Pero el otro rubro que es motivo de orgullo es la exportación de ideas o formatos. Esto tiene una lógica donde se busca adaptar el formato original a cada país y su idiosincrasia. Cuatro Cabezas se erigió como una de las productoras argentinas que mejor se posicionaron en la venta de formatos de ciclos periodísticos, negociando CQC o La liga en países como España, Italia, Israel y Chile, entre otros. El CQC italiano, rebautizado Las hienas le agrega al estilo transgresor del original cierta visión femenina, a partir de la incorporación de una mujer a la tríada de conductores. La Liga es en su versión española Un equipo, que emite la Cadena Telecinco.

Rebelde Way, la tira que protagonizaba Luisana Lopilato, tuvo su adaptación en México que dio lugar al grupo adolecesnte RGB. El modelo y actor Cristian Sancho encarnó al forajido que se hace pasar por sacerdote en la versión mexicana de Padre Coraje. TV Azteca se adaptó  por Montecristo, pero obviando la temática de sustracción de bebés.  Son amores  llegó a la madre patria como Tres son multitud; a Chile como Buen partido y a México como Dos chicos de ciudad. Los ejemplos son, por suerte,  muchos más.

Si el tiempo y las modificaciones que se realizan en el exterior sobre el original pueden ser utilizadas por los programas madres. Es decir: el feedback entre las diferentes versiones está abierto, en retroalimentación permanente. Un ejemplo es el CQTest, que nació en España y que la versión original (la Argentina) lo adoptó luego.
Además de vender el formato, las productoras argentinas también ofrecen a los compradores internacionales servicios de asesoramiento y hasta la posibilidad de que parte de los productores, guionistas y directores participen del comienzo de la adaptación.

En definitiva, buenas noticias para la industria televisiva y una demostración más de que la capacidad argentina para generar ideas productivas. Ojalá no se le de lugar  a la otra gran capacidad de los argentinos: la de desperdiciar grandes oportunidades.
Todos quieren Lola
La tira LaLola se transformará en febrero en la primera telenovela argentina en llegar a Escandinavia, ya que se verá a través de la señal TV7 que se llega a los territorios de Suecia, Finlandia, Noruega y Dinamarca.

La información fue difundida por la productora Dori Media Group que indicó que de la mano del ciclo ideado por Sebastián Ortega para Underground Contenidos, TV7 cambiará su formato para ofrecer más programación dirigida a la audiencia femenina.

La serie estelarizada por Carla Peterson y Luciano Castro “se vendió en los últimos 12 meses a alrededor de 60 países, acumulando excelentes niveles de rating en cada destino”, destacó un comunicado fechado en la ciudad estadounidense de Miami.

Otros formatos del programa que en la Argentina se emitió a través de América, durante 2009 se verán también en México, Vietnam, Rusia, Francia e Italia, entre otros países.

La productora indicó, además, que “se encuentra en pre-producción el piloto para la versión norteamericana de LaLola, que será producida por Sony Pictures Television para la cadena norteamericana FOX Broadcasting Company”.

¿Qué es un formato?
Es un concepto, el programa de televisión, con todos los elementos asociados a la producción organizados de tal manera que permiten hacerlo en otro país. Hay dos grandes grupos: entretenimiento y reality, y formatos de ficción.

¿Cómo se vende  un formato?
 En el caso de las latas, el posible cliente ve trailers y decide si comprarlo o no, se negocia el precio y una vez que se cierra se mandan los tapes. Si está en América Latina lo pasa tal cual y si está en otro país lo dobla y lo pasa al aire, del lado que lo compró es la única inversión que hizo. En el formato, el cliente tiene que además contratar actores y un equipo de producción. Es una inversión más importante porque es producción local para él. La negociación es larga porque es un programa muy estratégico para quien lo compra: no sólo hay que hablar de las condiciones comerciales sino que hay que discutir cómo se adaptaría la historia, si requiere algún cambio para que sea vista como un programa local. El proceso de venta empieza mostrando el concepto general de un programa que se muestra con un trailer y con algunos capítulos, pero de ahí en adelante son muchas conversaciones para tratar de darle forma en conjunto a la adaptación, que es un acto distinto a la creación, es un programa nuevo que tiene una base fuerte y directa con un programa que ya se hizo, pero que no es el mismo.”

Extraído de Diario Hoy